cINe cluB GolFa

El eterno provocador

2012-01-23T08:49:00.000+01:00

Propone: Nando
Comenta: José Antonio

Sacha Baron Cohen, el eterno provocador. El hombre de las mil caras.Lleva unos cuantos años en danza haciendo la misma película, aunque cambiando el personaje principal, y siempre alborotando al personal. Hace poco Nando nos traía a nuestro Cineclub el título que le ha convertido en un éxito mundial: Borat. Un reportero de Kazajistán que se va a conocer las Américas. Y es que la figura de Sacha Baron Cohen es sin duda controvertida. Sus detractores lo califican de soez y sus incondicionales defienden que bajo esa apariencia de vulgaridad se esconde una de las críticas más mordaces a la sociedad contemporánea. Algunos añadirían a la sociedad yanki.

La fórmula de sus películas es la del falso documental, ¿o tal vez es como "El objetivo indiscreto?", ¿o es un "Inocente, inocente" a lo bestia? Cohen interpreta a unos personajes que son una auténtica caricatura. Cuando se junta con sus entrevistados, les coloca un espejo desde el que espera sacar de su personaje ese racismo que lleva oculto, o su homofobia o simplemente desquiciarle y sacarle de sus casillas. Cohen ha encarnado al rapero Ali G, al reportero de Kazajistán Borat y al reportero austriaco y homosexual especializado en moda Bruno. Los tres son personajes que ya interpretaba en su programa de televisión y que han ido dando el salto a la gran pantalla. Ahora prepara una nueva película en la que encarna a un dictador de un país árabe, de apariencia muy similar a la del ya fallecido Gadafi.

Los miembros del club de fans del tea party son el blanco de sus focos, pero lo cierto es que Sacha Baron Cohen tiene para todos. Igual se está burlando del himno americano en medio de un festival de rodeos lleno de típicos cowboys, como está contando a un grupo de feministas radicales lo buena que está Pamela Anderson, o enseñando fotos de su hijo de 16 años a unas amas de casa (el chiquito está desnudo y en las fotos aparecen primerísimos planos de su pene), o bien contando en un plató de televisión con público mayoritariamente afroamericano cómo consiguió adoptar un negrito en África a cambio de un iPod (pero esto es de otra peli) o acudiendo a unos clérigos que dicen poder curar la homosexualidad. Si hay algo que te indigne y Borat sabe qué es lo que es, allí estará para provocarte. Con su traje gris, su enorme mostacho y su sonrisa de oreja a oreja. Y a cada escena va más allá y realmente se juega el tipo, sin qué sepas si realmente lo que ves es real o se trata de una interpretación. Burlar a los seguratas de los famosos, pasearte como Bruno en medio de una manifestación contra la homosexualidad, decir lo sucia que es la barba de Bin Laden a un jefe de Al Qaeda. La verdad es que se juega el tipo.

Cuando se estrenó Borat, el colectivo judío protestaba y decía que era una película antisemita y racista. Sacha Baron Cohen salió dando la réplica caracterizado como Borat. No se molestó en recordar que su abuelo fue un superviviente del holocausto. Con su gran mostacho y su peculiar acento dijo: "Quiero declarar oficialmente que no me une ningún vínculo al señor Cohen y que apoyo plenamente a mi país, Kazajistán, en su decisión de demandar a ese judío". Y es que en Kazajistán tampoco sentó muy bien la imagen que daban del país. Sacha Baron Cohen guarda un mutismo total sobre su vida privada y se escuda en sus personajes para evitar dar cualquier tipo de respuesta a quién es, cómo es, o cómo piensa.

La principal pega que le veo a sus películas es que el formato tiene su gracia en la televisión. Para el cine trata de coger todo ese montón de gags y los ordena pretendiendo darles una coherencia argumental, lo que hace que a veces la historia que te cuentan no tenga ni pies ni cabeza. Mientras, el público debatirá si esto se trata de arte o es una sucesición de cihstes soeces. Y mientras la gente debate apasionadamente, Cohen pondría una cámara, lo grabaría y seguramente se partiría de risa.

Diente de perro

2012-01-18T10:09:00.001+01:00

Propone: José Antonio
Comenta: Rubén

-Imagina –dijo Sócrates- un chalé provisto de una alta tapia, y unos niños que están en él desde que nacieron, encarcelados en esa prisión de oro; detrás de ellos, sus padres que son como la luz de un fuego que arde algo lejos y en plano superior, y entre los padres y los niños, una vida aparentemente normal.

- Ya lo veo-dijo Glaucón.

- Pues bien, ahora ve que, a lo largo de esa vida normal, los padres han transformado la realidad cambiando los nombres de los objetos, cuya naturaleza les ha sido negada a los niños y que éstos sólo conocen aquello que sus padres quieren y de la forma que quieren.

- ¡Qué extraña escena describes –dijo Glaucón- y qué extraños prisioneros! ¡Niños sin ir al colegio!

- Iguales que nosotros -dijo Sócrates-, porque en primer lugar, ¿crees que los chavales han visto otra cosa de sí mismos sino las sombras proyectadas por las enseñanzas de los padres que están frente a ellos como nosotros aprendimos de nuestros maestros?

- ¿Cómo -dijo-, si durante toda su vida han sido obligados a permanecer en el chalé sin salir al exterior?

- ¿Y de los objetos aprendidos? ¿No sabrán lo mismo, esto es, lo que sus padres les han contado, enseñado y mostrado?

- ¿Qué otra cosa van a saber?

- Y si pudieran hablar los unos con los otros, ¿no piensas que creerían estar refiriéndose a aquellos objetos y conocimientos en los que han sido instruidos?

- Forzosamente.

- Entonces no hay duda -dijo Sócrates- de que los tales muchachos no tendrán por real ninguna otra cosa más que las enseñanzas de los padres tal y como se las han mostrado.

- Es enteramente forzoso-dijo Glaucón.

- Examina, pues –dijo Sócrates-, qué pasaría si entrase un agente externo y fueran liberados los chicos de su cárcel de oro y curados de su ignorancia, y si, conforme a naturaleza, les ocurriera lo siguiente: Cuando uno de ellos conociera la realidad exterior, y cuando, al conocer todo lo demás, ¿qué crees que contestaría si le dijera alguien que antes no veía más que una realidad deformada por sus padres y que es ahora cuando, hallándose más cerca de la realidad y vuelto de cara a objetos y conocimientos más reales, goza de una visión más verdadera, y si fuera mostrándole los objetos que hay en el exterior y obligándole a contestar a sus preguntas acerca de qué es cada uno de ellos? ¿No crees que estaría perplejo y que lo que antes había contemplado o sabido, le parecería más verdadero que lo que entonces se le mostraba?

- Mucho más-dijo.

-Y si quisiera escapar de la cárcel para ver el mundo exterior y real, ¿no crees que sus padres le pedirían una acción imposible para evitar que saliera, como por ejemplo que se le caigan los dientes caninos a los diecimuchos años, cuando todo el mundo sabe que se caen de pequeño?

- Así es –dijo Glaucón. –Yo al menos así lo haría para protegerlos.

- Entonces no le quedaría más remedio que arrancarse los dientes para poder salir al mundo exterior y real –comentó Sócrates.

(Y esta paráfrasis del Mito de la Caverna platónico es lo que cuenta Kynódontas, la primera película de una empresa de publicidad griega, que se rodó en agosto de 2008 con un presupuesto de 200.000 € y que impactó a nuestro cineclub).

Zapatillas de felpa y cristal

2012-01-10T11:38:00.000+01:00

Propone: Nando
Comenta: Juli

Querido lector de blogs, este comentario en sí mismo es un spoiler, así que si no quieres enterarte del final de la película, no sigas leyendo.

Resulta que un ricachón yanqui quiere gastarse los cuartos en hacer películas y para ello decide que debe descubrir y promocionar una gran estrella que cause sensación en Hollywood. Así, se viene a Madrid en compañía de su secretario (Oscar para Edmond O'Brien) y de un director de cine pasado de moda y ex-aficionado al refresco de malta fermentado (Humphrey Bogart). Recorren los mejores garitos de la capital en busca de Ella hasta que la encuentran: María Vargas (la sensual y voluptuosa Ava Gardner).

Es un poco el cuento de la Cenicienta, sin príncipe azul pero con cuñado de príncipe, aunque en este caso es conde. La chica humilde, con todos los hombres a sus pies, y que no termina de encontrar el amor verdadero. Hasta que se enamora de un conde italiano, el conde de Torlato-Favrini, en un arrebato se casan y en la noche de bodas él confiesa que una herida de guerra lo dejó impotente. Entonces el chófer le dice a su señora: que no me entere yo que ese culito pasa hambre, y así, se lían y lo hacen a pelo, quedando ella encinta. El conde, en otro arrebato, se la carga, y el día del entierro, Joseph L. Mankiewicz acude al cementerio con su equipo de grabación y graba La Condesa Descalza, realizada a través de los flashbacks de los diferentes personajes que intervinieron en la vida de María Vargas y estaban presentes en ese último adiós.

Termino el post con unos datos curiosos:

-La censura en el Hollywood de los 50 cambió el dato de que el conde iba a ser homosexual y decidió que fuese eunuco funcional por su impotencia sexual.

-Ava Gardner y Humphrey Bogart se aborrecían mutuamente.

-Parte de la película se rodó en Madrid, donde El animal más bello del mundo viajaba a menudo y era una habitual de la noche madrileña. Sonado fue su romance con cierto torero, de quien se decía que tras su primera noche, se vistió rápidamente, y cuando ella le preguntaba: "¿Dónde vas?" la respuesta fue: "¡A contarlo, mi arma!"

Lo que viene siendo ser una estrella

Demóstenes

2012-01-03T08:00:00.000+01:00

Hoy os proponemos que, antes de empezar a leer, pulséis el play de este vídeo y os dejéis acompañar por la música del final de la película.

Propone: Altea
Comenta: Rubén

Cedant arma togae!

La lengua, la comunicación, el habla sonartes muy poderosas, tanto que ya los griegos se dieron cuenta de eso ysurgieron de este modo los sofistas, gente a la que los profesores les debemosmucho, pues fueron los primeros que cobraron por sus enseñanzas. Enseñanzas queconsistían en hablar bien en público para persuadir al auditorio y manejarlo avoluntad. Un arma letal en un mundo oral y en una democracia basada enasambleas populares.

Pues bien, mucho se ha hablado de cine, muchose ha hablado en el cine, pero en el cine no se ha hablado mucho sobre cómo sehabla, y menos desde el cine mismo. Desde la autoparodia de Cantando bajo lalluvia, que explicaba las clases de dicción de la señorita Lina Lamont ycompañía allá por el año 1952 y My fair Lady y el Profesor Higgins consu tesis doctoral en acentos hasta El discurso del rey de nuestros días,el habla como disciplina ha sido tratada en varios, aunque creo que escasospero de extraordinaria calidad, filmes.

Alguien podría pensar que una películahistórica, o un film sin escenas de violencia ni de sexo quizá no tendría muchoéxito hoy en día. Para todos ellos y también, como no, para todos nosotros, TomHooper grabó El discurso del rey, una fantástica coproducciónbritánico-australiana del año 2010 donde lo que más destaca es lainterpretación de ambos actores protagonistas (Colin Firth y Geoffrey Rush),que desarrollan sendos papelones. Sin olvidarnos de la Reina Madre, cuandotodavía no era reina, pero ya madre, la Duquesa de York, interpretada porHelena Bonham Carter. Y donde se demuestra todo lo que antes dijimos: que unapelícula sin sexo (salvo el romance de Eduardo VIII y Wallis Simpson, si se mepermite la broma), sin tiros (salvo la declaración de guerra a Alemania), ysiendo histórica (pues todos sabemos que Jorge VI era tartamudo) puede serentretenida y gustar al público, como ocurrió en el cineclub.

La película narra con gran maestría el traumapersonal de la soledad de los monarcas, aislados de la sociedad desde lainfancia, orientados desde la cuna al noble oficio de regir, carentes de amigos y volcados ydedicados a su pueblo aunque eso les cueste la salud. O quizá trate de unproblema del habla del tartamudo rey Jorge VI y del tratamiento que sigue conalguien que si bien no dice toda la verdad, tampoco miente. O incluso puedeversar sobre la importancia de la imagen y de la comunicación en los políticos,en el habla como medio de hipnosis colectiva. Por ejemplo, el estudiosoEric Havelok relata en su libro La Musa aprende a escribir una anécdotamuy parecida a la que se puede ver en la película acerca de un discurso deHitler que escuchó en directo por la megafonía de la universidad de Toronto,donde si bien casi nadie en Canadá sabía alemán, se quedaron ensimismados anteaquella voz, las pausas, los énfasis... Pues si importante es lo que se dice,tanto o más lo es el cómo se dice.

Cuando la humanidad se civilizó, cambió palosy piedras por palabras, aunque creo que a eso no hemos llegado todavíacompletamente.

Los reyes del rock

2011-12-30T08:00:00.000+01:00

Propone: Manuel
Comenta: José Antonio

Eres más falso que un documental delGolfa. Ésta es una expresión que pronto podría pasar a engrosar el lenguajepopular a tenor de la gran cantidad de los que en los últimos meses hemostenido ocasión de ver. Nuestro compañero Manuel nos trajo hace unas semanas"This is Spinal Tap", un falso documental del año 1984 que seencuadra en el género de la comedia sobre un supuesto grupo de rock que habíaevolucionado desde una estética beatleniana en los 60 a una banda de heavy metalnorteamericana de los 80.

Dirige el invento Rob Reiner, uno de esosdirectores que entre los 80 y los 90 lograron títulos de gran repercusióncomercial como "Cuando Harry encontró a Sally", "Cuentaconmigo", "La princesa prometida", "Algunos hombres buenos","Misery" o "Algo para recordar", entre otras. "This isSpinal Tap" es una de sus primeras películas y su formato es mástelevisivo. Tengo que reconocer que nunca había oído hablar de ella a pesar deque algunos la colocan en esas absurdas listas sobre las mejores películas enla historia del cine. Según la revista Empire, estaría en el puesto 50 de unalista de 500. Manuel en su presentación la colocaba en otro puesto más alto enotro ranking: el top ten de películas con las que la gente miente cuando dicenque la han visto. En el caso de España, no es raro que sea desconocida, ya quejamás se ha estrenado y sólo está disponible en circuitos de Versión Original.Así que el que te contó que esta peli había perdido mucho con el doblaje es unode esos mentirosillos. Tras haber visto esta rareza (y yo no miento) diría queno está mal, pero tampoco es para tanto.

El documental empieza cuando Spinal Tap,un grupo británico con más de veinteaños de trayectoria a sus espaldas, se traslada a los Estados Unidos. A travésde las entrevistas vemos su descenso y decadencia. En el caso de que se tratarade un documental real y un grupo real, habría ciertas cosas que no podríanmeterse en esta peli ni de coña. Aquí vemos las peleas entre sus miembros, susmalos rollos, las censuras de la discográfica, etc. Cosas impensables si fueraun documental real en el que saliera gente con nombres y apellidos. También seaprovecha para cachondearse de las bandas de heavy metal de los 80. La estéticade los rockeros es hortera a más no poder, y las letras tienen unas metáforas sobre temas sexuales que sonvulgares por lo evidentes que son. El grupo tiene hasta su propia leyendanegra: sus baterías no les duran mucho y siempre lo pierden en dramáticas ymisteriosas circunstancias. Asistimos, pues, al ascenso y caída de Spinal Tap hasta queal final los vemos resurgir de sus cenizas.

Todo el reparto está lleno de grandesveteranos. Algunos de sus nombres no nos dicen nada, pero todos ellos estánpresentes en muchos títulos que han pasado a la cultura popular. Por citar unejemplo. El nombre de Harry Shearer, probablemente no dirá nada a nadie. Sinembargo, la perspectiva cambia cuando nos dicen que es el actor que llevaponiendo voz durante más de 20 años a Bart Simpson, así como a varios personajesde la ya mítica serie de la familia amarilla (como el señor Burns, Smithers,Ned Flanders, el reverendo Lovejoy y una larga lista de secundarios más que novoy a repetir pero que da una idea de la gran cantidad de registros de los quees capaz). Todos los miembros del reparto son grandes amigos en la vida real ysuelen participar en otras películas de Reiner, aún haciendo cameos y pequeñospapeles. Incluso después de la película han seguido juntándose como Spinal Tap,ofreciendo conciertos y lanzando al mercado hasta tres discos. Así es como eldocumental falso, finalmente se convirtió en auténtico.

Indigestión de monguis

2011-12-26T08:00:00.000+01:00

Propone: Belén
Comenta: Juli

Mulholland Drive es una obra del director ese al que legusta hacer películas raras con enanos. No, no hablo del director de Willow.David Lynch también gusta de sacar habitaciones rojas y, además, los argumentosde sus obras son confusos, te hacen preguntarte cosas como:

-Pero la camarera que sale al principio, ¿no era laprotagonista que estaba sentada esperando el café?

-¿Encontrarán de una vez al dueño de la oreja que había enel césped?

-¿Es la amnesia la mejor excusa para explicar la confusiónmental de los personajes?

-¿Están todos fumados o se han comido una tortilla demonguis?

-Hoy es miércoles, ¿estará jugando el Madrid? ¿cómo irá?

Y sobre todo:

-¿Qué coño está contando el tío este, que no tiene ni piesni cabeza?

Pues eso es lo que pasa con esta película, que no tiene nipies ni cabeza. A su favor se puede decir que si uno saca escenas de lapelícula (sin la habitación roja, claro está) y las mete en un trailer, podríapensar, ¡anda! esta película puede ser interesante. Por tanto, si piensas quetodo es una sucesión de trailers de diferentes películas que tienen en comúnlos actores y los escenarios, puede llegar a gustarte el producto final, yhacerte la ilusión de que algún día puedas ver un montón de películas nuevasmuy chulas.

Ahora bien, si miras la obra como una película completa, tedevanas los sesos en comprenderla, y al final lo consigues, sólo es por unarazón: Lynch ha conseguido que su obra te interese hasta ese punto. No es mi caso.Vi la película y no me interesó una mierda. Es más, tampoco quería saber lainterpretación de la misma, porque toda esa sucesión de imágenes y sonidos meproducían un tremendo hastío, y lo que pasase con los protagonistas me parecíatotalmente irrelevante.

¿Que todo es un sueño? ¿Que hay una parte que es sueño y otra que es realidad? ¿Cuál es cuál? El otro día soñé que me tocaba la lotería y al despertar era mentira, ¿hacemos una película?

David Lynch es un fiel seguidor de la primera parte de lateoría de Copérnico, ya que está convencido de que el sol no es el centro deluniverso. En lo que difiere del científico renacentista es en que traslada elheliocentrismo en lynchcentrismo, y gusta de mostrar al mundo susmasturbaciones mentales en forma de filmaciones. Que te pringue o no ya escuestión de que uno se deje.

En este enlace podéis encontrar información sobre productosque pueden ayudar a comprender el cine de David Lynch:

http://www.setasalucinogenas.com/

Los ilusionistas

2011-12-23T08:00:00.000+01:00

Propone: Pedro
Comenta: Pepe

El cine nació como curiosidadcientífica, pero muy pronto pasó a convertirse en una atracción de feria. Así,antes de ser el medio de expresión más poderoso y más genuino del siglo XX,compartió caseta y roulotte con mujeres barbudas, enanos, espectáculos devariedades y números de magia. No en vano los primeros cineastas provenían delmundo del ilusionismo y, al tiempo que construían todo un entramado narrativo,un nuevo lenguaje audiovisual, fueron encontrando la manera de trucar lasimágenes para impactar al espectador, para que se entregara sin condiciones, seidentificara con lo que veía en la pantalla y sintiera como reales las cosasque solo eran un haz de luz sobre una tela blanca en una sala oscura. Nada másy nada menos. Si queréis un nombre, sinduda debéis recurrir a George Méliès. Si queréis un ejemplo, el fabulosoarranque de Vida en sombras (LorenzoLlobet-Gracia, 1949) da cuenta de este momento de los orígenes del cine. Lasecuencia, para aquellos que sientan curiosidad, está en Youtube.

Ya está otra vez Pepe soltando surollo, diréis, y probablemente tendréis razón. Pero es que todo esto me venía ala cabeza al plantearme el comentario de Encuentrosen la tercera fase (Steven Spielberg, 1977) y pensar en ese grupo decineastas que en los años setenta recuperaron el gusto, que en realidad nuncase había perdido del todo, por maravillar al espectador, hacernos vibrar,dejarnos con la boca abierta y hacernos creer por unos minutos que existe lamagia. Una generación de ilusionistas que creó toda una generación decinéfilos, que es la nuestra. En este caso el nombre está muy claro, es StevenSpielberg. Y el ejemplo también: el arranque, curiosamente el mismo año de lapelícula que hoy comentamos, de Star Wars(George Lucas, 1977): Unos rótulos en perspectiva, unas notas musicalespoderosas y la aparición en pantalla de unas naves espaciales… y ya estamostodos boquiabiertos. La secuencia, para aquellos que sientan curiosidad, tambiénestá en Youtube. Pero dudo que quede alguien por aquí que no la haya visto enrepetidas ocasiones.

Encuentros en la tercera fase es una historia de marcianos buenos(algo por entonces no tan habitual como pueda parecer hoy día) que tiene algode todo eso. Porque en mi opinión representa el punto culminante de ese caminoque iniciaron aquellos pioneros de las casetas de feria y puede considerarse elejemplo perfecto de toda la tendencia. Porque, además, la película es toda unadeclaración de intenciones, ya que está protagonizada (genial Richard Dreyfuss)por un hombre maravillado, que se pasa media película boquiabierto y empeñadoen creer a toda costa en lo que ven sus ojos, mientras todos los demás seempeñan en decirle que son trucos de magia. Esa fascinación que siente elpersonaje de Dreyfuss por lo desconocido, su osadía en ir más allá de lasexplicaciones racionales y su empuje a la hora de dejar atrás su vida en pos de algo nuevo es la osadía de los exploradoresde todos los tiempos, de todos los pioneros. Fue la osadía de George Méliès yera la osadía del joven Spielberg y sus amiguetes.

De cómo a la obra del bueno deSteven se le fue cayendo la osadía y se le fueron sumando la gravedad y, encierto modo, el conservadurismo, ya hablaremos otro día. Hoy lo que toca es quedisfrutemos como enanos con la belleza, la espectacularidad y la poesía deimágenes como las que acompañan estas líneas. Y encima en movimiento. Y encima con música de John Williams.

¿Serán cosas como estas lo que llaman la magia del cine?

Supernanny

2011-12-19T08:30:00.000+01:00

Propone: David

Comenta: José Antonio

Arthur Penn es uno de esos directores alque he ido dedicando mi particular homenaje a lo largo del Cineclubgolfa,trayendo películas como "La jauría humana" y "Pequeño GranHombre". A esta lista habría que añadir una tercera que supongo que algúndía caerá y que no hay más que hacer una consulta a su filmografía para deducirde cuál se trata. Penn es otro de esos directores con la maldición del Golfaporque falleció en 2010, por lo que alguno de esos dos títulos seguro que yahabría caído para entonces. Y hete aquí que hace poco David nos sorprendía conuna película de Penn que no había visto: "El milagro de AnaSullivan".

El papel de la protagonista lo interpretaAnn Bancroft, a quien todo el mundo recuerdo por su papel de la madura queseduce a Dustin Hoffman en "El graduado", pero el único Oscar de sucarrera lo ganó precisamente con esta película. Se trata de una de esashistorias sobre romper barreras y la lucha sobre la superación basada en unahistoria real. Primero se hizo un telefilm, luego una obra de teatro yfinalmente este salto a la gran pantalla que lanzó al estrellato a Bancroft(casada con otro conocido de nuestro Cineclub, Mel Brooks).

Ana Sullivan llega a una casa paraocuparse de Hellen, que quedó sorda, ciega y muda al poco tiempo de nacer. Lajoven discapacitada llegó a la adolescencia en una burbuja que la aísla delmundo y en la que ha impuesto su tiranía a todos los miembros de su casa. Hacelo que quiere, cuando quiere y como quiere, sin que nadie la replique porquenadie es capaz de hacerse entender con ella. A la hora de la comida cogeliteralmente con las manos lo que hay en los platos, con independencia que seael de ella o el de los demás. Ahora mismo no recuerdo si también hacía sus necesidadesen aquellos lugares de la casa que mejor le venían a mano, pero seguro querealmente era así. Sus padres la han consentido absolutamente todo porque nohan sabido cómo hacerle comprender el significado de la palabra "no".Ni siquiera saben si su hija tiene algún atisbo de inteligencia. La películanarra la lucha de voluntades entre la joven que quiere seguir haciendo todo asu antojo y la profesora que trata de hacerle entender que hay límites. Estechoque de voluntades queda perfectamente reflejada en una escena de 30 minutosde reloj, en la que la cuidadora trata de hacer entender a la joven que tieneque usar los cubiertos para comer. Una lección que llega al enfrentamientofísico y la escena alcanza unos niveles de tensión insoportables. Si, hoy día,proliferan los niños tiranos por la ausencia de una educación adecuada, latarea de esta maestra para llegar a alguien cuya naturaleza consiste en laincomunicación más absoluta se puede considerar como titánica. Una supernanny. Penn, que está más acostumbrado a moverse en ambientes de violencia, logra escenas de gran violencia psicológica,pero consigue también un drama intimista que se sigue con interés de principio a fin,rodado en blanco y negro y que no ha perdido nada de vigencia. Se mantiene joveny fresca. Tan joven como el personaje de Ann Bancroft, que paradójicamenteluego pasaría a la historia por el papel de una madura asaltacunas que seconvierte en la amante del novio de su propia hija.

Enter the Void

2011-12-16T13:00:00.001+01:00

Propone: Esther
Comenta: Rubén

El otro día estaba yo hablando con un amigo sobre lo que me pasará cuando me muera, que es lo que le pasa a todo el mundo. “Verás, le dije, primero veré una gran luz blanca y cegadora, luego veré pasar toda mi vida hasta el momento en que muera. Más tarde veré lo que hacen los demás, especialmente mis amigos y familia. Y por último me reencarnaré, yo mismo elegiré dónde y cuándo, pues veré puntitos amarillos, que son parejas copulando y me introduciré en el momento de la fecundación del óvulo deseado”.

El otro día, estaban dos amigos hablando sobre qué es lo que pasa cuando uno se muere, qué se siente, qué se ve. Entonces uno de ellos le explicó al otro que lo primero que se ve cuando alguien se muere es una gran luz blanca y cegadora, luego se pasar toda la vida, como en una película, hasta que llega el momento de la muerte; que luego se ven las cosas que están haciendo los demás, especialmente amigos y familiares; hasta que, finalmente, uno se reencarna en otra persona, pues se ven puntitos amarillos que son las parejas copulando, entonces el alma de cada uno se introduce en el momento de la fecundación del óvulo que se desea.

Sí, es la misma historia, una contada en primera persona y otra en tercera. Y eso es lo que ocurre en la película “Enter the Void”, del director argentino pero afincado en Francia, Gaspar Noé, del año 2009 y con un metraje, para mi gusto y para el de varios miembros del Golfa, excesivamente largo, pues son 154 minutos de película.

El film muestra una misma historia contada dos veces, primero desde los ojos del protagonista, Óscar, un traficante de drogas de Tokio hasta que muere y después, la cámara se sitúa en su cogote para recrear las mismas secuencias que ya habíamos vistos y la metempsícosis del alma de Óscar vagando por todo Tokio, entremezclándose escenas de su pasado, del accidente de sus padres, de las conversaciones con su hermana, visitando a sus amigos y contemplándolos desde el cielo hasta reencarnarse, según su promesa en ya veréis quién.

La película destaca sobre todo por su ingenioso sistema narrativo, contar la historia desde dos perspectivas, la capacidad del alma de viajar por los cielos y atravesar paredes desde una nueva y tercera perspectiva cenital para contemplar las situaciones port mortem del protagonista, al que por cierto, casi nunca se le llega a ver el rostro.

La historia no cuenta gran cosa, pues ya a los diez minutos de película se menciona un resumen, al comentarse el “Libro tibetano de los muertos” entre Óscar y su amigo Álex, que es quien se lo pasa. Además toda la película muestra un colorido ubérrimo que contrasta con los ambientes sórdidos y ambientación nocturna que desarrolla el film, y que a veces llega a marear y es lo que, según parece, pretendía el director: estimular el cerebro mediante colores luminosos rápidos e intensos para crear una falsa situación de “colocón”, sin duda para otorgar al espectador una sensación parecida a la de los protagonistas. No diré que sufrí un ataque de epilepsia, pero sí que terminé con dolor en las cuencas supraorbitales, así que en cierto sentido sí que terminé medio mareado. El señor Noé logró su intención conmigo.

Coraline y el arañusco

2011-12-12T08:16:00.001+01:00

Propone: Virginia
Comenta: Juli

En Alicia a través del Espejo, la protagonista viaja a un mundo imaginario atravesando un espejo, mientras que en Los mundos de Coraline lo hace a través de una mini-puerta tapiada que hay en la pared. Es clara la similitud de ambas historias: Coraline/Alicia en un mundo real que no le gusta y se encierra en fantasías evasivas con apariencia fantástica que pueden devenir en terribles. Además, si el autor quería dar más pistas sobre la semejanza de ambas historias, veáse el compañero de Coraline: un gato que aparece en cualquier momento.

A pesar de todo, nos encontramos aquí con una obra original y muy entretenida, rodada con muñecos "a lo antiguo", es decir con la técnica stop motion, o como se decía en España cuando estaba de moda utilizar esa técnica, fotograma a fotograma. Me encanta la riqueza del castellano.

La dirige Henry Selick, que ya dirigió la película Pesadilla antes de Navidad, producida por Tim Burton, y, al igual que Alicia en el País de las Maravillas, está basada en un libro, esta vez de Neil Gaiman, titulado Coraline.

En la película aparece una Coraline pre-adolescente agobiada por el cambio de domicilio de sus padres. No se adapta a la situación y el que sus padres vivan para trabajar no ayuda mucho. Es así como se adentra en su fantasía y cruza la puerta. Allí todo es idílico, con su otra madre, una encantadora mujer con botones en los ojos que le prepara un montón de tartas sabrosísimas que no engordan y está siempre pendiente de ella, su otro padre, que deja de lado el trabajo para acompañarla en sus juegos, en fin, encuentra un mundo como ella querría que fuese.

Pero el sueño se convierte en pesadilla cuando aparece un gato feo y se da cuenta de que su otra madre en realidad es un arañusco que atrapa a los niños en una telaraña y luego se come sus almas. Bueno, no se las come, pero las encierra en un sitio oscuro donde pasan la eternidad como fantasmas atrapados.

¡Me da miedo sólo de pensarlo! Los lúgubres escenarios cuasi góticos consiguen intensificar la atmósfera de terror de la película.

Podría comenzar aquí un debate filosófico tan de moda últimamente en este blog con reflexiones acerca de qué es real y qué no, interpretaciones de los sueños, y todas esas filosofadas de pijama y zapatillas de felpa a la que últimamente estamos tan acostumbrados. Os invito a que lo hagáis.

British zombis

2011-12-09T08:00:00.000+01:00

Propone: Miguel

Comenta: José Antonio

Prácticamente desdeel inicio de las películas de terror, los zombies han estado en ellas formandoparte de su particular mitología. Sin embargo, mucho ha llovido desde esosprimitivos inicios y los zombies son uno de los monstruos que mejor han sabidoadaptarse a los nuevos tiempos. Al principio, no dejaban de ser los esclavossin mente del científico loco de turno que pretendía conquistar el mundo. Estezombie primitivo estaba más vinculado al vudú y a la magia negra de islas comoHaití o Jamaica, donde los hechiceros podían devolver la vida a los muertos. Enlos 60, llegó "La noche de los muertos vivientes" de George A. Romeroy con ella se convierten en el instrumento perfecto del apocalipsis definitivo.

Una plaga que notiene límites y que puede acabar con la humanidad en caso de que no se detengala amenaza. El origen del zombi ya no es mágico. Es fruto de algún accidente delaboratorio químico o nuclear. Los zombis son voraces y devoran todo lo queencuentran a su paso, contagiando a aquel a quien muerden. Mientras que elvampiro es más selectivo con sus víctimas y les gusta elegirlas, el zombi cometodo lo que se le pone por delante. Su hambre no tiene límites y le da igualmatar a uno que a 500. Frente a ellos, personas normales y corrientes tratabande hacer frente a una amenaza contra la que no estaban preparados. Cada unosaca lo mejor y lo peor de sí mismo. El maestro de escuela se convierte enlíder a su pesar, mientras que el policía o el militar acaban sacando su venafascista más visceral. Las tensiones que se generaban entre el grupo desupervivientes ponen en evidencia que el ser humano puede ser hasta peor que laplaga de zombis descerebrados. La película de Romero sentó las bases de lo queson las películas de zombis y todas la siguen, aunque algunos intentanintroducir pequeñas novedades. Entre los 70 y los 80, la fórmula se repitiótanto que el género acabó siendo una parodia de sí mismo. El reto parecía estaren ver quién superaba los límites de la casquería y mostraba más viceras o elcanibalismo más repugnante. Pero el género ha sobrevivido a esa crisis y haresurgido de sus cenizas más fuerte que nunca.

Se da la paradoja deque algunas de las creaciones que han contribuído a elevar el subgénero zombi alos altares de la cultura popular provienen de campos que no son puramentecinematográficos. Por un lado, tenemos el mítico videoclip de Michael Jackson"Thriller", donde la carne muerta se convierte en un producto aptopara todos los públicos. Por otro, está toda la línea de videojuegos de"Resident Evil" que han generado una saga cinematográfica propia. Ypor último, el cómic "The walking dead" de Robert Kirkman cuyaadaptación a la pequeña pantalla está arrasando. Esta llegada masiva del géneroa la cultura popular está haciendo que muchos asomen su mirada a este géneroque parecía reservado hasta ahora solo para frikis de videoclub, y gane cadadía más adeptos. Hay mayor público y aparecen en el panorama nuevos directoresque han permitido abrir nuevos caminos al género y mantenerlo vivo. Entre ellostenemos a Zack Snyder y su puesta al día de "El amanecer de losmuertos", el "Rec" de Jaume Balagueró, "28 días después"de Danny Boile y la secuela del español Juan Carlos Fresnadillo, o el"Planet Terror" de Robert Rodriguez, así como por fin la película dela que hablamos hoy "Zombis party" del británico Edgar Wrigth, quetuvo a bien traernos Miguel a nuestro cineclub.

"Zombisparty" (la absurda traducción en España de "Shaun of the dead",un juego de palabras con el nombre del protagonista y el título de "Dawnof the dead") es una mezcla entre las películas de zombis de George A.Romero, el cine de Sam Raimi y las comedias románticas. Con estas fuentescinematográficas que harían soltar espumarajos por la boca a cualquiergafapastas esnob, Wrigth construye una divertidísima comedia con una ácidacrítica social a la zombificada sociedad londinense (que bien podría ser la decualquier otra ciudad). Los protagonistas hacen su vida rutinaria y monótona,sin darse cuenta de que la invasión ha empezado. Ni siquiera son capaces dedistinguir a un zombi por la calle cuando se lo cruzan. La pareja protagonistaes el dúo cómico formado por Simon Pegg y Nick Frost (los Hernández y Fernándezdel Tintin de Spielberg), buenos amigos del director con el que han repetido enotros títulos. Shaun y Ed son compañeros de piso con el síndrome de Peter Pan,vidas laborables mediocres y que pasan el tiempo bebiendo y jugando a lavideoconsola. Pero como dice el eslogan de la película "Llega un día en lavida de todo hombre en el que ha de levantarse del sillón y matar unoszombies". Una frase profunda, en la que sólo les falta decir que deben abandonartambién la bolsa de Cheetos. Cuando Shaun descubre la gravedad de la situacióndeciden atravesar todo un Londres plagado de muertos vivientes para tratar derecuperar a su novia Liz, que le ha dejado harta de la rutina en la que hacaído su relación, en la que posiblemente tenga que soportar de por vida alinútil de Ed. Casi se diría que la presencia de los zombis es un estorbocolateral que impide a Shaun poder reconquistar a su perdida pareja. Una duraprueba que le permitirá enderezar su fracasada vida.

En su día, lapelícula pasó desapercibida del panorama comercial y con los años y el boca aboca ha alcanzado la categoría de película de culto. La mezcla entre elsuspense y la comedia llega a alcanzar momentos hilarantes y a partir de uninsulso arranque va hacia arriba y mejorando a cada momento. Como también haido mejorando la carrera de este director que promete seguir dando que hablaren un futuro.

Todos los “Caminos” conducen a Roma

2011-12-05T08:00:00.000+01:00

Propone: Laura

Comenta: Rubén

“Camino” es el título de un libro escrito por José María Escrivá de Balaguer y Albás, fundador del Opus Dei. Pero afortunadamente también es el título de una película de Javier Fesser, del año 2008 que pudimos ver en el cineclub por gentileza de Laura, y de su hermana.

“Camino” es una película que si la ves y te deja indiferente, ¡háztelo mirar, por favor! Porque es imposible que no te surjan emociones y sentimientos, bien a favor, bien en contra de la historia; por cierto, basada en hechos reales. Y evidentemente, el nombre de la película y su protagonista no ha sido aleatorio, es una clara alusión al libro que comentábamos anteriormente. Y es más, un camino es la vía que une dos puntos, bien físicos, bien espirituales. Basta con echar un vistazo a la poesía mística para entender este rasgo. Historia que podríamos contar brevemente diciendo que una niña tiene un problema de salud, que no consiguen los médicos dar con él. Vive nuestra pequeña protagonista en el seno de una familia ligada al Opus Dei y no diré nada más para obligar a la gente a visionarla.

“Camino” en mi parecer es una historia dual. Por un lado, la protagonista, Camino, anhela ser una chica normal: tiene sus amigas, conoce el primer amor, le gusta bailar, quiere participar en una obra de teatro, pero por otro lado está sometida a la rigidez de una madre.

Creo que el teatro encarna mejor que ninguna otra manifestación artística la dualidad; no tanto por las dos caras de la comedia y la tragedia, sino porque se representa una historia dentro de la “historia” de la vida, los actores tienen una doble vida, la suya y la del personaje de la obra. Y esto viene a colación de la obra de teatro que un grupo de chavales del barrio quiere representar y Camino se presenta a la audición, donde conocerá a Jesús.

La madre representa, por un lado, el mundo real, rígido, sometido a normas y creencias. Camino representa el mundo ideal, la espontaneidad, la juventud, la vida (he dudado si ponerlo con mayúsculas). Y el padre, como un nuevo Zeus ante un juicio de Paris, no puede oponerse ni a su mujer ni a su hija, y se resigna, el pobre hombre, a contemplar, sufriendo, su existencia hasta que por fin, un día se enfrenta a todo, con unos resultados poco satisfactorios.

Durante toda la película se juega con ese doblez en la historia, dualidad en los nombres, tanto en el de Camino como en el de Jesús (el chavalito que le gusta), entre la Obra de Teatro y la Obra de Dios (especialmente al final), en el mundo onírico de la anestesia y el mundo real... Pero también abundan los símbolos, tales como la libertad encarnada en un frágil y pequeño ratoncito que alguien se empeña en capturar y alguien en liberar.

Se puede reflexionar sobre la naturaleza de las acciones de Dios, que en la película pone a prueba a unos padres. Se habla del “libre albedrío”, sintagma semántico que permite exonerar de culpa a un Dios, cargando a su creación con ella, liberándolo a él de toda culpa. Y nunca he podido cesar de hacer una comparación entre ese libre albedrío y el escritor griego Luciano de Samosata que ya en el siglo II de nuestra era (nació en el año 125) afirmaba en sus cómicos diálogos que no hay que ajusticiar al reo, sino a los dioses que orientan sus acciones, pues los mortales somos marionetas en sus manos. Si Luciano ya no creía en los dioses, el libre albedrío sirve para lo mismo, pues cuando interesa, está presente; y cuando no interesa, es obra de Dios. Bendita equidad.

¡Tengo Hambre!

2011-12-02T08:00:00.000+01:00

Propone: David
Comenta: Juli

Recuerdo el día que vino David con un DVD bajo el sobaco y nos dijo que nos iba a poner otro documental. Pensé: ¿pero esto será un documental de verdad o será un falso documental? Y, teniendo en cuenta que lo han puesto en La 2, y la principal finalidad de los documentales de La 2 es poder coger el sueño para dormir plácidamente, ¿me dormiré? ¿será un sueño de verdad o será un falso sueño?

El Bulli, historia de un sueño, narra en 10 capítulos la historia del restaurante desde su fundación por el matrimonio Schilling hasta 2009. 1987 es el año en que la figura de Ferrán Adriá comienza a tomar protagonismo, al quedarse como chef en solitario.

Hablar de la historia de El Bulli es hablar de la historia de Ferrán Adriá, su evolución personal y su evolución culinaria. Se decía que en sus últimos años, las reservas para comer en el Bulli había que hacerlas con varios meses de antelación. Hasta tal punto llega la leyenda del restaurante que en el último domingo de la temporada 2006 (cierra en otoño), el entonces ministro de industria fue en helicóptero para no perder la reserva.

En la sesión del Golfa solo pudimos disfrutar de dos capítulos, y con ellos, David consiguió transmitir la esencia del restaurante: las imágenes y los sonidos del documental se convirtieron en las texturas, los olores y los sabores de sus platos, produciendo cierto cosquilleo en mi estómago que tuvo que traducirse en tomar un resopón en casita a la vuelta del golfa para poder ir a la cama tranquilo.

En estas webs podemos encontrar todos los capitulos:

http://www.rtve.es/alacarta/videos/elbulli-historia-de-un-sueno/

http://www.franciscoalcaide.com/2011/10/el-bulli-historia-de-un-sueno.html

Os dejamos con un vídeo simpático de "deconstrucción caricaturesca" de Ferrán Adriá.

Grandiosos silencios

2011-11-28T13:30:00.001+01:00

Propone: Rubén

Comenta: Pepe

El cine nació mudo y más tarde se volvió sonoro. Esta afirmación, que se acerca peligrosamente a la obviedad, se presta, sin embargo, a un posible análisis y a una réplica.

Empecemos por el análisis posible: es fácil pensar que el advenimiento del cine sonoro, allá por los últimos años veinte, fue un gran avance para las artes y las industrias del cine. En realidad, las exigencias de la precaria tecnología de sonorización llevaron a un auténtico paso atrás en la estética cinematográfica. Digamos que la posibilidad de decir supuso un decaimiento de la poesía de mostrar que se había desarrollado en las décadas precedentes. El paso del cine silente al sonoro supone una fractura, casi un nuevo comienzo, en el que el cine vuelve atrás para volver a tomar impulso. De este momento límite da buena cuenta, para los que quieran documentarse mientras disfrutan de una gran velada, la celebérrima película Cantando bajo la lluvia (Stanley Donen y Gene Kelly, 1952).

Dicho esto, podemos ir con la réplica: El cine sonoro no extinguió al mudo. Su carácter hegemónico lo volvió dominante, pero de vez en cuando podemos ver ejemplos de películas que prescinden de la palabra para hacernos reír, emocionarnos, o ambas cosas. Ha seguido habiendo mucho (y grandioso) silencio. Como caso paradigmático citaremos a Charles Chaplin, que siguió mostrando su talento en películas mudas como Luces de la Ciudad (1931) o Tiempos Modernos (1936). Incluso en sus películas sonoras no abandona el antiguo arte y sus momentos más celebrados mantienen la estética del cine silente. El baile con globo terráqueo de El gran dictador (1940) es un buen ejemplo. Y no podemos dejar de citar, ya en los años cincuenta, las deliciosas películas de Jacques Tati, de quien vimos en nuestro club, hace ya tiempo, Mi tío (1958).

A partir de ahí, la lista de títulos que de una manera u otra recuperan el (buen) gusto por la imagen pura y reivindican el cine eminentemente visual es tan larga como queráis. Y variopinta. Podemos rastrear homenajes y citas desde Coppola (los efectos visuales y de montaje de su Dracula de Bram Stoker (1993)) a Kubrik (la primera media hora sin palabras de 2001, una odisea del espacio (1968)), pasando por Almodóvar (el corto El amante menguante, dentro de Hable con ella (2002)) o la factoría Pixar (el encantador inicio de Wall-e (Andrew Stanton, 2008)). Así, dejándonos mucho en el tintero, llegamos a la actualidad, momento en que casi coincidentes en el tiempo nos encontramos con dos películas que muestran la vitalidad del fenómeno que venimos comentando. Hablamos de L'illusionniste (Sylvain Chomet, 2010), una cinta de animación que recupera un viejo guión de Tati nunca rodado y de The Artist (Michel Hazanavicius, 2011) que deslumbró en el pasado festival de Cannes, con una historia muda sobre el cine mudo, y que estamos deseando ver.

En fin, todo esto viene al caso porque hoy, como ilustran las imágenes que acompañan a estas líneas, deberíamos estar comentando La última locura de Mel Brooks, que es una película con una sola línea de diálogo, pronunciada curiosamente por el mimo Marcel Marceau, y estrenada en 1976. Pero como en este caso el prólogo ha fagocitado casi por completo el escrito, no diré mucho, sólo mi opinión, y dejo paso a los comentarios: La comedia es algo irregular, una sucesión de gags más o menos afortunados y de cameos de las estrellas de la época. A mi juicio, aunque quiere ser homenaje, se queda en parodia. Es como si Brooks quisiera parecerse a Chaplin o Keaton y se quedara en Hill, Benny Hill. Aún así, tiene su gracia y es una apuesta original, aunque algo fallida.

Holocausto Descafeinado

2011-11-25T08:00:00.000+01:00

Propone: Juli
Comenta: José Antonio

Entre los años 60 y 70 se pusieron de moda coproducciones entre varios países, ambientadas en la Segunda Guerra Mundial y con primeras estrellas del séptimo arte al frente del reparto. Una de ellas es "La hora 25", una coproducción realizada entre Francia, Italia y Yugoslavia en el año 1967 y con la que nuestro compañero Julián nos obsequió recientemente en el Golfa. El director, Henri Verneuil, estaba bastante familiarizado con el tema que trata el argumento, las persecuciones étnicas del régimen nazi, ya que su familia, de origen armenio, huyó siendo éste un tierno infante del genocidio que se practicó en Turquía contra este colectivo en los años previos a la Primera Guerra Mundial. "La hora 25" no habla del holocausto armenio, pero sí aborda el tema de las limpiezas étnicas que los nazis practicaron en el Este de Europa durante la Segunda Guerra Mundial y adapta una novela del mismo título escrita por Virgil Gheorghiu.

Al frente del reparto está Anthony Quinn, este actorazo de origen hispano que siempre acaba interpretando papeles étnicos. Griego, italiano, jeque árabe, indio, mejicano, lo que sea. En esta ocasión es Jannos Moritz, un campesino rumano al que durante la ocupación nazi el corrupto jefe de la policía local envía a un campo de concentración como un judío más, a pesar de que éste en realidad es cristiano ortodoxo. La intención del funcionario es librarse de él para acosar sexualmente a su esposa, interpretada por otra diva del cine italiano, Virna Lisi.

El principal problema que tiene la película es que otros títulos posteriores han ido mucho más allá en la espinosa tarea de llevarnos en este viaje de descenso al horror del holocausto. El argumento se centra más en cómo Janoos mantiene su ingenuidad y su integridad mientras la vida le va poniendo constantemente a prueba, jugando con él para ver cuánto puede aguantar. El hecho de que sea encerrado en un campo de concentración parece más una molestia, como si se le hubiera metido una piedra en el zapato. Vamos que ante todo lo que pasa alrededor, sólo le falta decir "mecachis" y "jolines", cuando está claro que otros emplearían palabras más gordas. De todos modos, el mensaje es bastante claro, al ridiculizar y criticar a aquellos que pretenden etiquetar el mundo en función de su condición étnica. A lo largo del metraje, el protagonista es tomado como la muestra perfecta de varias etnias diferentes. El absurdo de sus vicisitudes llega al extremo tragicómico de que se le llega a tomar por alguien que pertenece a un pueblo que dio origen a la raza aria. Los reproches realizados no quiere decir que estemos ante una mala peli o un producto mediocre. La hora 25 es una película correctamente realizada, con una gran inrterpretación de Anthony Quinn, banda de sonora de Maurice Jarre el compositor de moda en las grandes superproducciones de los 60. No en vano, produce Carlo Ponti, otro de los grandes del cine italiano. El problema, como decía, es que luego han venido otros directores que nos han llevado más allá al ponernos cara a cara con este infierno.

¿Dónde habré dejado mi viejo Winchester?

2011-11-21T08:00:00.000+01:00

Propone: Pepe

Comenta: Rubén

Dice la Segunda Enmienda a laConstitución de los Estados Unidos: “Siendo necesaria una Milicia bienordenada para la seguridad de un Estado libre, el derecho del Pueblo a poseer yportar armas, no será infringido”. Dicha enmienda fue propuesta el 25 de septiembre de 1789 y siguevigente hasta hoy. Y mientras siga la NRA (Asociación Nacional del Rifle) meparece que seguirá en vigor. Esto podría explicar que elpremio de un concurso de tiro del pueblo estadounidense de Dodge City fuera,allá por el año 1873 o quizá 74, un rifle último modelo, el mítico “Winchester73”, que da título a la película que nos trajo Pepe al cineclub. Un western delaño 1950, dirigida por Anthony Mann y protagonizada por James Stewart.

Debo confesar que este génerocinematográfico no me llena de satisfacción plenaria, aunque reconozco que haypelículas que son auténticas obras maestras y que disfruto al visionarlas. Yesto me acaeció al ver este film. Quizá sea porque el hilo narrativo me recordóa un libro de lecturas de mi más tierna infancia. Contaba yo unos nueve años deedad, cursaba Tercero de la extinta E.G.B. y el libro de lectura de clase setitulaba: “Blim”. Pues bien, Blim era una guitarra que va pasando de dueño adueño, de mano a mano y va recorriendo mundo, mientras nos contaba las diversasculturas, tradiciones, paisajes, gentes y demás de este ancho planeta hastaacabar, de nuevo, en manos de su legítimo comprador. Y aquí es donde lapelícula hizo la asociación. Pues esa arma, un Winchester, pasa de mano enmano, y sirve de nexo para narrar la historia, convirtiéndose así en unauténtico personaje y protagonista de la película.

Sucintamente, James Stewartllega con un amigo a caballo a Dodge City en busca de un fulano llamado “DutchHenry” Brown. Hay un concurso de tiro cuyo premio es el nuevo modelo Winchester73, ejerce de jurado el sheriff local, el mítico pero histórico Wyatt Earp.Como no podía ser de otra manera, Stewart, o mejor dicho, el personaje queinterpreta, llamado Lin McAdam, gana el premio tras unas exhibiciones de punteríaentre él y el fulano, con una asombrosa semejanza tanto en técnica como enpuntería. Pero “Dutch” se lo roba (primer cambio de mano). En su huída llega ély sus hombres a una fonda y el rifle pasa a manos de un tahúr que trafica conlos indios (segundo cambio) y así llega a manos de un jovencísimo Rock Hudsonque interpreta el papelito de un jefe indio (tercer cambio) que cae en unataque a un regimiento de la Caballería, donde por azar del destino está LinMcAdam y el valiente Steve Miller y señora. El rifle acaba en manos de unsoldado del regimiento de caballería interpretado por Tony Curtis (no sé si másjoven aquí que Mr. Hudson) que lo encuentra por el suelo después de la refriega(cuarto cambio). Éste a su vez se lo entrega al Sargento del destacamento(quinto cambio) quien se lo pasa al valiente Steve (sexto cambio) quien a suvez lo pierde ante su amigo”Dutch” (séptimo cambio), y así el rifle regresa asu segundo dueño, lo que en parte sentencia en mi opinión el desenlace.Desenlace que si no sorprende por el final, sí por el motivo o motivos de lapersecución y el odio cuasi-visceral que hay entre ambos personajes.

Algunas de las manos por las que pasa el rifle

McAdampersigue durante toda la película a “Dutch” por un ajuste de cuentas, estácerca de su rifle un par de veces pero nunca se percata de este detalle. Elarma actúa, como ya he mencionado, como un personaje en torno al cual gira todoel argumento de la película. Incluso recibe algunos planos. Le da cohesión alargumento desviando el punto de vista tanto de los acontecimientos como de losespectadores, en mi opinión.

¿Quién no hafirmado alguna vez un billete con la intención de recuperarlo al cabo de untiempo mientras imaginaba por dónde circularía? ¿Por cuántas manos pasa unamoneda hasta que llega a la hucha de un niño que será destinada a las chuchesy se pondrá a rodar de nuevo? Y sin embargo, creo que nadie ha filmado un documental o una películasobre el viaje del dinero; por no mencionar los itinerarios que una moneda deEuro puede hacer por medio continente. Como hacía Blim a lo largo de su vida depapel.

Cuando el sabio señala la luna, el tonto mira el dedo

2011-11-18T13:54:00.001+01:00

Propone: Virginia

Comenta: Si Stebbins

El dedo:

¿Quién es Banksy? ¿Qué hay de realidad y que hay de falso documental? ¿Es real Mr Brainwash o es otra “obra” de Banksy?.

Exit throught the gift shop no es una película en la que buscar respuestas, al contrario, como toda buena historia plantea más interrogantes de los que responde. La genialidad de Exit throught… es que los interrogantes que propone son precisamente los más interesantes.

Plantea dudas sobre la relación entre arte y mercado, sobre las perversiones y contradicciones del underground y sobre el criterio del consumidor de cultura y hasta que punto este puede ser manipulable. Por extensión, pone de manifiesto que es muy probable que no tengamos la sociedad más saludable posible. (Una de esas obviedades que, tristemente, parece necesario reseñar.)

Lo interesante del asunto es que mientras Banksy esta señalando estos interrogantes, la mayor parte de la crítica y el público sigue mirando el dedo.

Lo bonito de esto es que, hasta en el propio hecho de generar esas reacciones, la obra de Banksy esta señalando de nuevo la luna para que cada uno mire donde mejor le parezca.

Si Stebbins, nuestro comentarista invitado de hoy, es el creador del blog Porque Silvia Sobrini es una chica formal

De dos en dos

2011-11-14T08:20:00.001+01:00

Propone: Manuel
Comenta: José Antonio

Últimamente parece que están de moda los dúos de directores. A ser posbile que sean hermanos, aunque si no lo son tampoco pasa nada. Entre otros, tenemos a los hermanos Coen, a los Wachoski de Matrix y a la parejita de moda en cine francés Jeunet y Caró, autores de películas como Amelie y Delicatessen. Nuestro dúo de hoy no es tan conocido, pero también son franceses: Gustave de Kervern y Benoît Delépine. Son los directores de la película con la que Manuel se estrenó en nuestro cineclub: Louise-Michel. Ambos escriben y dirigen y acumulan ya unos cuantos títulos a sus espaldas, en los que la nota predominante parece ser el humor negro y la mala baba.

Existe un personaje histórico llamado Louise Michelle, que fue una revolucionaria francesa del siglo XIX de ideología anarquista. Ignoro si hay relación entre ella y la película, pero aquí el nombre se desdobla en dos personajes diferentes (otra parejita, vaya por Dios). Eso sí, el espíritu anárquico y la incorrección política están presentes en toda la cinta. "Louise-Michel" nos cuenta la historia de un grupo de trabajadoras que un día se encuentran con que la fábrica en la que han estado trabajando en condiciones de semiesclavitud y por ridículos salarios durante los últimos vente años ha cerrado y las deja de patitas en la calle. El avaro empresario ha decidido montar otra planta en Vietnam en la que podrá pagar unos salarios aún más irrisorios a sus explotados empleados. En total, la indemnización que les queda a las afectadas apenas llega a los 20.000 euros. Louise, una mujer nada agraciada físicamente, asocial y con muy mala leche, propone a sus compañeras reunir el dinero para contratar a un asesino a sueldo para liquidar a su antiguo jefe como venganza por la jugarreta. El sicario con el que contactan es Michel, que nada tiene que ver con otros profesionales que hemos visto en otras pelis. Sus métodos son bastante chapuceros y en ocasiones para cumplir sus trabajos convence a enfermos terminales para que cumplan la misión por él, con el argumento de que así se irán a lo grande.

Con estos precedentes, ya tenemos claro que lo que va a suceder es una sucesión de gags en ambientes de lo más sórdido, con verdaderos inadaptados sociales que buscan su momento de gloria en la vida. No hay concesiones, ni respeto por absolutamente nada. Ni por los enfermos de cáncer, los discapacitados y hasta chistes sobre los atentados de las Torres Gemelas. Habrá a quien esto le molestará, pero en estos tiempos en los que la tendencia es pedir que se prohíba todo lo que no tenga un lenguaje políticamente correcto puede llegar a suponer toda una corriente de aire fresco.

Acabaré con un par de spoilers, por lo que aquellos que no la hayan visto deberían dejar de leer este comentario a partir de aquí. Cuando, al final de la película, los dos protagonistas encuentran a su objetivo, el empresario estalla en carcajadas cuando ellos le dicen quiénes son y a qué vienen. No sabe ni de qué fábrica están hablando. "¿Francia? Hace años que no queda ni una puta fábrica en Francia". La otra sorpresa final de la peli viene a cuento con el género de la pareja protagonista. Resulta que ella es hombre y él era una mujer. Particularmente, la gracia creo que no aporta demasiado a la película y es un tanto gratuita. Pero después de todo lo que se ve en la peli, tampoco es cuestión de rasgarse las vestiduras por eso.

Un poco de plancton, por favor

2011-11-11T08:30:00.000+01:00

Propone: Juli
Comenta: Rubén

“Cuando el destino nos alcance” es el título por el cual se conoce la película estadounidense de 1973 “Soylent Green”, dirigida por Richard Fleischer y protagonizada por Charlton Heston, Edward G. Robinson y Leigh Taylor-Young; que Julián tuvo a bien traer al cineclub para deleite de los escasos miembros que asistimos.

Aunque yo ya había visto la película en mis años de mocedad, hará ya unas veinte primaveras, pues creo recordad que cursaba aquello de 3º de BUP, recordaba la historia, pero no los detalles, así que me sirvió de bálsamo memorístico esta nueva proyección.

Recordaré brevemente el argumento: La película transcurre en la ciudad de Nueva York, en un futuro no muy lejano (año 2022), que cuenta con más de cuarenta millones de habitantes. El cambio climático ha acabado con los recursos naturales. Hay superpoblación a nivel mundial, escasez de agua y de alimentos. La electricidad se la genera cada uno en su propia casa (los afortunados de tener una) con una especie de bicicleta estática, y la idea no es mala, se podría aplicar a los gimnasios. La gente come unas galletitas llamadas Soylent, producidas a partir de concentrados.

Nuestro protagonista es un policía que tiene que esclarecer el asesinato de uno de los jefes de la compañía productora de galletas, encontrado muerto en su propio domicilio. Un lujoso apartamento con agua corriente, bebidas alcohólicas, alimentos de calidad y muy bien “amueblado”. Siempre ha habido ricos y pobres, y parece ser que en el futuro también los habrá. Por cierto, en ese momento es cuando nos dimos cuenta de cómo se imaginaban en los setenta el futuro; y lo mal que ha envejecido la película en este asunto. Los videojuegos modelo “Atari” eran el mañana, y los televisores planos, ni por imaginación del guión, claro.

Es interesante el dato del mobiliario, pues las mujeres jóvenes son propiedad del promotor de las viviendas y son llamadas así, mobiliario. El pobre difunto tenía una chica de ésas en casa. También su guardaespaldas, que se ganaba un sobresueldo haciendo otros trabajitos.

De vuelta al argumento de la película, el protagonista tiene un viejo compañero, un antiguo profesor que recuerda con nostalgia cuando el mundo no era así y era más parecido a lo que todavía tenemos. Así pues, el policía empieza a investigar el asesinato, consigue unos libros de la compañía Soylent, se los entrega a su anciano compañero quien los lee, y allí se dice que los océanos se han secado.

Entonces, ¿de dónde procede el plancton que supuestamente sintetiza la factoría Soylent para conseguir la variedad Green? Y ahí es precisamente cuando el viejo compañero decide actuar y brindarle las pistas a su amiguete policía. Es horrible el origen del nuevo Soylent Green, sólo hacen falta unas pocas pruebas, pero la única manera de conseguirlas es adentrándose en la fábrica.

Hay que destacar la entrega y sacrificio del deuteragonista. Se encamina a un lugar de eutanasia a la carta. Llegas allí, decides cómo quieres morirte (te dejan elegir hasta el color de fondo), y te matan mientras ves y escuchas tu selección. Eso sí, sin dolor alguno, todo un detalle. El vejete se recrea en unas escenas de naturaleza que todavía se pueden contemplar mientras suena la “Pastoral” de Beethoven.

Un único dato más, finalmente nadie hace nada por esclarecer la verdad. Como siempre tan cerca de la verdad y tan lejos de hacerla pública, pues el buen policía recibe un balazo en una iglesia. Y ahí acaba la película.

Me encanta, por cierto, la manera que tiene la policía de desalojar y dispersar manifestantes y manifestaciones: emplean una pala excavadora acoplada a camiones que bien podrían ser de basura. Así caben más si accionan el compactador.

Al final del comentario se puede abrir un debate ético sobre los temas que trata la película: la eutanasia, la superpoblación, la falta de recursos y sus soluciones... Sin duda empezaremos todos a escribir sobre estos temas.

No os diré de qué están hechas las galletitas Soylent Green, eso sería destripar la película en exceso, hasta para mí, pero os dejo una imagen de la serie Los Simpsons donde hay una referencia a la película, que por cierto, pasa por ser de culto en Estados Unidos, y se le menciona en varias series, videojuegos y demás.

Obtendréis la respuesta, de todos modos, si unís las primeras Capitales de cada párrafo. Es fácil hacer un acrónimo empleando los conectores lingüísticos.

Enjuto Mojamuto y la Chochona

2011-11-07T08:30:00.000+01:00

Propone: Amalia
Comenta: Juli

En Lars y una chica de verdad, Lars es un tarado tierno y tremendamente tímido que se enamora de una muñeca hinchable de látex, de esas de tamaño natural y personalizadas que se piden por Internet, llamada Bianca. Pues sí, por inverosímil que parezca, estas cosas pasan, aunque el protagonista en la realidad suele ser bastante más feo y con pinta de Friki, de esos que aparecen en programas vespertinos sentados en un sofá y de cháchara con la presentadora, diciendo que tienen una cibernovia o que quieren darle una sorpresa a su mejor amigo y contarle que están enrollados con su madre de 55 años, una madurita todavía atractiva con las tetas recién operadas y capaz de acrobacias sexuales inverosímiles.

Pero la película no tiene nada que ver en realidad con esas gentes ni con esos programas, ya que es buena, divertida, llena de ternura y conmovedora, como una de Disney. Podría decirse que es como un cuento, donde los personajes rebosan humanidad y donde, cada uno con sus matices contribuyen a crear una atmósfera agradable que te envuelve desde el principio de la película y te hace partícipe de la propia historia.

Lars vive en un pueblo pequeñito donde todos se conocen, pero a pesar de ello, es un chico tan tímido que, si no fuera por su hermano, su cuñada y algún compañero de trabajo, solo se relacionaría consigo mismo. Un buen día, le cuentan que existen unas muñecas que tienen una apariencia casi real. Es así como conoce a Bianca, su novia, que viene a verlo metida en una caja de madera. Poco a poco, y por consejos de una psicóloga, la muchacha-muñeca va haciéndose un hueco en los corazones de los habitantes de este pequeño pueblo y también de los espectadores. El resto de la historia la dejo para la nostalgia o para la imaginación.

Como colofón al comentario, una pregunta para el espectador: la psicóloga, ¿consiguió el título porque venía en el envoltorio de un Sugus?

Tres tristes polvos

2011-11-04T08:30:00.000+01:00

Propone: Pedro
Comenta: Pepe

Nuestra historia de hoy nosacerca a la vida sexual y afectiva de un grupo de neoyorquinos cuyo nexo deunión y punto de encuentro es un local clandestino donde la única norma es lalibertad absoluta a la hora de practicar (o no) cualquier tipo de acto, tambiénde índole sexual. El local, dando título a la película, se llama shortbus, quees el nombre que se le da en USA a los transportes escolares para “niñosespeciales”, que son más cortos que los que transportan a la “gente normal”. Y hoynos acercamos a unos cuantos de esos niños especiales que pululan por aquí. Es comosi entráramos en un bar lleno de gente y fuéramos de mesa en mesa conociendo lahistoria que cada uno esconde, sus más íntimos secretos.

Tenemos a una pareja que estápensando en abrir su relación a otras personas. Jamie y Jamie son jóvenes yatractivos. Se quieren pero entre ellos hay algo que no funciona. Uno de ellosestá grabando un documental sobre su vida, hecho de retales de películasantiguas y grabaciones de si mismo en posturas inverosímiles. Lo que nadie sabees que en realidad su película es un testamento, una nota de suicidio.

Sentada un poco más allá, conaire de observarlo todo, está Sofia, una terapeuta sexual que, a pesar de todosu conocimiento sobre el tema, está aquí en busca de su primer orgasmo. Apoyadoen un rincón, su marido, Rob, se aburre sin saber muy bien qué hacer. Porquecuanto más hablan del tema, más se dicen lo que se quieren y más se recuerdanlo bien que lo pasan juntos, peor lo pasan, más se detestan más se alejan eluno del otro.

Si pasamos por la sala deproyecciones, y dejando a la derecha el salón de la orgía, en una habitacióndonde sólo se habla está Severin, una dominatrix profesional que esconde unalma dulce y un nombre dulzón, que regala polaroids con mensajes llenos desentido y que solo busca encontrar una verdadera relación. Cuando conozca aSofia, intercambiaran los papeles de terapeuta y paciente y se ayudarán la unaa la otra.

Entre estas tres historiasprincipales se entrecruzan unos cuantos personajes secundarios memorables quevan desde el maestro de ceremonias y dueño del local, hasta un antiguo alcaldede la ciudad angustiado por no haber hecho lo suficiente en los primeros añosdel SIDA, pasando por un cándido y hermoso joven que completará el trío de losJamies. Todos ellos se mueven por el local buscando un poco de felicidad o desucedáneo de ella, como trasunto de sus propias vidas en un Nueva York post 11Sdesconcertado y triste.

Porque aunque empieza con un divertidoe intenso prólogo que culmina, literal y explícitamente, con un chorretón desemen salpicando (y quizás completando) un Pollock, y a pesar de que suestructura, sus brillantes diálogos y la profusión de guiños de humor laacercan a la comedia, lo primero que pensé cuando vimos Shortbus en nuestro club fue que era una película muy triste. Queincluso en su final, un sui generis final feliz, estaba atravesada por unainmensa melancolía. Porque en la película te acabas encariñando de lospersonajes y sus angustias diversas. Y por la certeza última de que la películaacaba pero la soledad, los miedos, el desconcierto y la misma tristeza noacaban con ella.

Sabor mediterráneo

2011-10-31T08:30:00.000+01:00

Propone: Rubén
Comenta: José Antonio

Si se hiciera unaencuesta sobre las más famosas películas griegas de la historia del cine,seguro que más de uno metía dentro de su lista "Zorba el griego" y"Mi gran boda griega". Ninguna de las dos, lo es. Son americanas omás bien, la versión que tienen los americanos sobre los griegos. Me refiero alos actuales claro, para ver la visión que tenían sobre los de la antigüedadmejor cogerse un combo de palomitas y ver "300", que tampoco es unapelícula griega. Todo este rodeo viene para hablar de una peli que sí que esgriega y que supuso el estreno de Rubén en nuestro Cineclub. Como algunos yahabrán adivinado, estoy hablando de "Nunca en domingo".

"Nunca endomingo" es una película del año 1960, cuatro años anterior a "Zorbael griego", y dirigida por Jules Dassin. Dassin es un cineastanorteamericano que tuvo que exiliarse de su país durante la Caza de Brujas porser comunista, un pecado más grave que ser griego hoy en nuestra solidariaEuropa del Estado del Bienestar. Su protagonista es Melina Mercouri, actrizgriega, que fue la musa del director y quien la dirigió en la mayoría de laspelis de su carrera. "Nunca en domingo" es como "Irma laDulce" o "Pigmalión", pero con sabor un poco más Mediterráneo.Aunque está ambientada en el Pireo, la zona rezuma una atmósfera que nos llevaa títulos como "Calabuch" o "Cinema Paradiso". Eso sí,aunque es una peli interesante, no llega a la altura de los títulos citados.Jules Dassin interpreta a un intelectual y escritor norteamericano que llega alPuerto del Pireo buscando las causas de la decadencia de la Grecia clásica. Sunombre es Homer, que mucho me temo que no tiene nada que ver con Los Simpsons,sino seguramente con otro escritor griego de la antigüedad clásica llamadoHomero. Allí quedará deslumbrado por una prostituta llamada Ilya que tieneenamorado a todo el mundo. Una mujer independiente, que elige con quien se va ala cama y que su visión de las cosas tiene encandilados a todos. Para Ilya,sólo hay una norma que es fundamental y sagrada, el domingo es su día dedescanso y por tanto su mito de la caverna cierra por vacaciones. Nuestrointelectual ve en ella el símbolo de la decadencia griega y se propone la tareade "salvarla" a través de la educación para que ella tenga opción aabandonar su profesión.

Ilya vivía feliz ensu mundo pensando que los clásicos del teatro griego eran historias de amor confinal feliz, sin entender muy bien lo que quería decir, pero al fin y al caboeran su manera de disfrazar su realidad y hacerla más llevadera. Homer piensaaplicar sobre ella el mito de la caverna. Brindarle un mundo de cultura ysabiduría, en el que ella verá la luz y la verdad resplandecerá por si sola.Sin embargo, lo único que descubre Ilya es qué es lo que realmente quiere decirla palabra "tragedia griega". Y es que enseñar a una persona en lasituación de ella, lo cruda que es la realidad, no ayudará mucho a que ella seafeliz. Homer pensaba que deslumbraría a todos con sus profundos conocimientosculturales y al final son estas gentes a las que él consideraba comomentalmente inferiores las que le acaban cambiando. La cultura y elconocimiento no siempre sirven para cambiar las cosas, es la moraleja de lapelícula. También que no se puede intentar domar a un animal salvaje. Despuésde pasar por el tamiz de la sabiduría, todo es como mucho más crudo. Menos malque no entraba en sus planes explicar qué es el existencialismo.

Homer fracasóy ahora 50 años después nosotros intentamos salvar a los griegos. Pero no concultura, sino con dinero. Que al fin y al cabo, la cultura es una cosa que tebajas gratis de Internet. Por cierto, Melina Mercouri fue ministra de Culturade su país, así que algo debió de aprender.

POST DATA: Problemamatemático. Si el Golfa empezó en 2005, Jules Dassin murió en 2008 y Rubéndebutó en el cineclub con esta peli en 2010: ¿Cuántos años le quedan paraobtener el carné?

Vamos a contar mentiras

2011-10-28T08:35:00.000+02:00

Propone: Lorena

Comenta: Rubén

Hace tiempo, Lorena nos trajo Lacalumnia, y como docente me vi en la obligación de hacer la reseña para elcineclub, pues la película, aunque sea de 1961 narra unos acontecimientos queestán muy de moda en la escuela actual y recoge el miedo atávico, siemprepresente pero nunca comentado de los docentes: Una mentira que acabe con tucarrera profesional.

Y pasemos a contar la historia:dos jóvenes amigas profesoras (Audrey Hepburn y Shirley MacLaine) deciden abriruna escuela privada en una localidad tranquila. La vida les va muy bien, laescuela está llena y todos son felices. Pero (en todas las historias hay un“pero”) un día, una alumna humillada por un castigo decide vengarse de susprofesoras y le cuenta a su abuela, que encarna la pseudo-aristocraciaestadounidense, un rumor que hábilmente manipulado desencadena la tragedia. Famaest que las profesoras son pareja.

Conviene resaltar que la“angelical” niña que difunde el rumor inocentemente es una manipuladora nata,extorsionadora de compañeros de clase y utiliza todos los recursos que tiene asu alcance para lograr sus fines. Una auténtica diablesa mutada en ángelinfantil.

Evidentemente, la abuela dacrédito a la información de su nieta, apoyada por el testimonio falso dos compañerasde clase que se ven forzadas a mentir. Y con esto, la nietísima consigue lo que sepropone: El rumor se extiende como lapólvora, la abuela llama a sus amigos y los alumnos se van dando de baja de laescuela hasta quedarse vacía. Y la vida se vuelve fea. “¿Podrá un feo rumorponer fin a tanta belleza?”

Claro, ellas van a ver a laabuela, tratan de desenmascarar a la niña, pero ésta cuenta con el testimoniode sus compañeros de clase, obligados a mentir. No hay salida. No se puedehacer nada. Todos creen el rumor, nadie cree la verdad. Aunque finalmente, laabuela empieza a percatarse de que las piezas que su nieta le ha dado noencajan; las mentiras de su nieta van aflorando y mostrando su faz auténtica yconsigue la anciana señora averiguar, horrorizada, la verdad, pero ya es tarde.La desesperación se ha apoderado de nuestras jóvenes maestras y acarrea elsuicidio de una de ellas, pues teme que se haya descubierto laatracción sexual que, ciertamente y en secreto, sentía hacia su amiga. Eso sí,antes de ahorcarse, se lo confiesa.

Si estamos atentos a los mediosde comunicación, seguro que alguna vez hemos leído casos donde un alumno hadenunciado a su profesor (denunciar en el mejor de los casos, en los peorespueden ser víctimas de vejaciones que son grabadas por teléfonos y colgadas enredes sociales o páginas de vídeos), o los padres de algún alumno han acosado opegado al docente. Sin ir más lejos, el otro día oí en la radio que un juezhabía condenado a tres años de cárcel a una madre que había pegado a la profesorade su hija. ¿Cuántos casos no serán fruto de una venganza, pensada y maquinadacomo el de la película? Si además le sumamos el creciente malestar social porlas pocas horas que, presuntamente, trabajan los docentes, obtendremos uncóctel que suele perjudicar a los profesionales de la enseñanza y educación.

Conozco compañeros de profesiónque se han visto envueltos en juicios por una falsa denuncia procedente de susalumnos de sus familiares. Y aunque todos han salido absueltos de los procesos,el daño moral y psicológico no se los quita ya nadie.

Ya lo decía el gran maestroHitchcock: “nunca trabajes con niños, con animales o con Charles Laughton”. Amí me interesa la primera parte de la cita.

La película, una adaptación dela obra teatral The childrn’s hour (escrita en 1934 por Lillian Hellman)toca diversos temas, algunos muy controvertidos para su época, como pueden seruna homosexualidad encubierta, y otros más cotidianos tales como la presuntainocencia de los niños y la tendencia social a creerlos.

Y es que ya se sabe, losborrachos y los niños son los únicos que dicen la verdad, aunque no sepan quela están diciendo.

Tarde de golfos en noche de perras

2011-10-24T08:28:00.000+02:00

Propone: Pepe

Comenta: Juli

O tarde de perros en noche de golfas.

Una tradición del Golfa es poner películas de veteranosmaestros del cine que han dejado el mundo de los vivos, bien, unos días despuésde la proyección, bien unos días antes. En este último caso, podríamos decirque somos unos gafes agoreros, así que…¡¡¡tiembla Spielberg!!! ¡Que el otro día pusimos una película tuya!

Fue el caso de Sidney Lumet, fallecido el 11 de abril de2011, cuya “sentencia”/proyección en el Golfa se produjo un par de semanas antesde su óbito. Lumet fue un autor prolífico y desde su debut en la gran pantallacon “12 hombres sin piedad” destacó por su buen hacer tras las cámaras. Anteshabía sido actor, director teatral y director de televisión.

El director Sidney Lumet

En 1975 dirigió en Tarde de Perros a Al Pacino, actor demoda tras protagonizar las dos primeras entregas de El Padrino. Es un dramabasado en hechos reales, que a pesar del sambenito a que nos han acostumbradolas televisiones en España acerca de este tipo de producciones, es una obrainteresante y en la que solo te duermes si eres Iván.

La película es un producto de su tiempo, ya que sigue esatradición tan setentera de los antihéroes, que representan un hombre normal ysus amigos, también normales, aunque uno sea un poco gilipollas. Estos,desesperados por su situación económica, deciden que la mejor forma de hacerfrente a sus problemas es atracar un banco, así que lo planean, preparan todo,y cierto día, justo antes del cierre, se cuelan en el banco y encañonan alpersonal. La historia la hemos visto muchas veces: rodeados por la policía,tiros, rehenes, negociación, presión, la prensa, expectación, cansancio, calor,hambre, sueño, atmósfera asfixiante…

La trama está muy bien llevada, con referencias a sucesoscomo el motín de la cárcel de Attica, en Nueva York, que duró 4 días y en elque, tras los disparos indiscriminados de las fuerzas de orden público,murieron 43 personas, entre ellas 10 rehenes, y hubo más de 80 heridos.

La originalidad que tenía el film en el momento de suestreno se ha transformado en un punto de referencia para las películas deatracos con rehenes, y, en líneas generales, podría decirse que ha envejecidobien.

Crisis en tierras infinitas

2011-10-18T08:28:00.000+02:00

Propone: Laura
Comenta: José Antonio

Decisiones. Tantas cosas por hacer y tan poco tiempo. Ir a la playa o a la montaña. Al cine o al teatro. Salir a pasear, quedarte viendo una peli. Cada decisión crea nuevas posibilidades y sus resultados son los que generan las llamadas realidades alternativas. Éste es el tema que trata la peli que nos llevó Laura a nuestras sesiones golfantes: "Las vidas posibles de mister Nobody" (el señor Don Nadie en la traducción).

Las realidades alternativas han sido tema recurrente en la ciencia ficción. Mundos donde los nazis ganaron la Segunda Guerra Mundial, las Torres Gemelas jamás cayeron o los Terminators lograron asesinar a Sarah Connor antes de que tuviera su hijo. Las circunstancias que generan una u otra realidad son una verdadera incertidumbre. Es el llamado efecto mariposa. El aleteo de una mariposa en Nueva York puede generar una cadena de acontecimientos que desemboquen en un maremoto en Nueva Zelanda. "Las vidas posibles de Mister Nobody" es un intento de resolver las grandes preguntas de la vida como si fueran un problema de física cuántica desde la perspectiva matemática de la teoría del caos, ésa que defendía el matemático interpretado por Jeff Goldblum en Parque Jurásico.

Las distintas vidas que ha vivido o ha podido vivir Nemo Nobody se nos despliegan a lo largo de la película, saltando en el tiempo hacia atrás y hacia delante y de una realidad a otra para ver por cuáles caminos nos conduce cada decisión. No se trata de realidades alternativas basadas en un cambio de los acontecimientos históricos. Lo que ha cambiado en cada una de ellas son las decisiones del protagonista, unas cotidianas y otras vitales para su existencia personal.

La historia empieza con un Nemo con 120 años de edad en un futuro donde la humanidad ha alcanzado la inmortalidad y es el único hombre mortal. Como reliquia histórica, hay gran curiosidad por conocer su vida y los medios le entrevistan para que narre sus vivencias. La historia la van conformando los confusos recuerdos de Nemo sobre cómo realmente fue su vida. ¿Son reales? ¿Es lo que ocurrió realmente o lo que le hubiera gustado que ocurriera? ¿Es fiable la mente de una persona que tiene 120 años?

En la versión extendida, se nos cuenta también que los niños antes de nacer están en un limbo en el que saben de antemano todo lo que les va a ocurrir. En el momento del parto reciben el abrazo de un ángel que les hace olvidar ese conocimiento sobre su futuro. En el caso de Nemo, el ángel se olvidó de abrazarle por lo que sabe todo lo que le pasará. ¿Cuál visión es la verdadera? ¿La de un anciano que trata de recordar su vida? ¿O la de un niño que busca las posibilidades que le lleven a una existencia feliz?

Todo empieza con el dilema básico que se le puede plantear a todo infante: ¿A quién quieres más a papá o a mamá? Nemo tiene que elegir en el momento en que éstos se divorcian con cuál de los dos se quiere quedar. Es una decisión de segundos porque su madre se marcha en un tren para irse a vivir a otra ciudad.

¿Es la película un bucle sobre los pensamientos de este niño que queda bloqueado por enfrentarse a una elección crucial que debe tomar en cuestión de segundos? Esta decisión a su vez genera otra serie de posibilidades. "¿Cuál será la mujer con la que me casaré?" Nemo explora entre tres candidatas posibles. En la primera, los dos se aman y alcanzan la felicidad en cada momento que pasan juntos, pero el destino conspira permanentemente para tenerlos separados y que jamás se encuentren. En la segunda, Nemo está enamorado de otra mujer de gran inestabilidad emocional que realmente no le ama y que suspira por otro amor de juventud. Ella le pide que cumpla la promesa de que cuando muera vaya a Marte a esparcir sus cenizas. Y en el tercer caso, es Nemo quien se casa con una mujer a la que no ama. Es una vida basada en la apariciencia y en la que logra ser millonario y tener una guapa esposa, pero a costa de una existencia infeliz y vacía.

¿Cuál es la elección correcta? Saltos hacia delante y hacia atrás y en cuanto la cosa se estanca, como si fuera un problema matemático se enfoca el asunto desde una nueva perspectiva o se cambia de realidad. En un momento de la película, el anciano Nemo relata al periodista que todas lo son, todas las vidas merecen la pena ser vividas. Se trata de distintas posibilidades y no necesariamente una debe ser mejor que la otra. Mientras no elijas nada, dentro de tu mente todo es posible. Una vez realizada la elección, se convierte en realidad y no hay posibilidad de marcha atrás. No llegan a ser realidades, puesto que todavía no han ocurrido y se mantienen como posibilidades. Entre todo este rompecabezas de saltos temporales, nos encontramos con que no hay recuerdos posteriores a los 34 años de Nemo. En medio del puzzle presenciamos distintos finales trágicos para Nemo Nobody a una edad temprana. Sin embargo, si prestamos un poco de atención, entre toda esta maraña de probabilidades, descubrimos una realidad en la que un atormentado Nemo lleva a Marte las cenizas de su mujer fallecida y en el viaje espacial conoce a la que fue el amor de su vida. ¿Es la verdadera resolución del problema? ¿Por qué no hay rastro de otras realidades en la que Nemo consiguiera llegar los 40? La gran diversión de esta película es tratar de componer y dar forma al apabullante puzle que nos pone delante. El niño abrumado que tiene que elegir entre varias cosas y no sabe con cuál quedarse, siempre alberga esa secreta esperanza de que le dejen quedarse con todo. Así todo es real. ¿Es buena película o es mala película? Mientras no lo diga, todo entra en el campo de lo posible.

De Dioses y Hombres

2011-10-10T19:54:00.000+02:00

Propone: Altea

Comenta: Pepe

Igual debería dejar la costumbre de poner nombre a los comentarios con títulos de otras películas, para que no os llevéis a engaño o confusión. El caso es que hoy venimos a comentar, casi con reverencia, la genial película de animación La princesa Mononoke, del ya universal director nacido en Japón Hayao Miyazaki.

En realidad el título se lo ponemos no porque nos recuerde al film francés protagonizado por monjes cistercienses, sino porque la película, basándose en antiguas leyendas del folklore japonés, y con un aliento ecologista y pacifista, nos enfrenta a un momento crucial de casi todas las leyendas épicas que en el mundo han sido: El despertar del hombre y el ocaso de los dioses; el paso de un mundo entroncado con la espiritualidad, lo esotérico, lo mágico y lo telúrico, los sentimientos y lo natural, a otro dominado por la razón, la mecanización y la técnica. De cómo ese enfrentamiento puede generar dolor y destrucción nos han hablado muchos autores antes, pero aquí de lo que se nos habla es de la posibilidad de que lo que surja sea hermoso y enriquecedor para ambas partes. Y aunque el final no es el happy-ending a lo Disney que podríamos esperar, está lleno de esperanza y de futuro.

En este caso la oposición de la que hablábamos está muy claramente centrada en los personajes femeninos principales. Miyazaki es experto en poner a mujeres fuertes al frente de sus historias, y aquí tenemos dos personajes magníficos que se alejan del tópico de la princesa y la malvada de la animación tradicional. Por un lado tenemos a la heroína de la historia, San, la chica-lobo, defensora del bosque, la princesa a la que hace referencia el título. Una princesa guerrera que se nos presenta (al espectador y al protagonista masculino) montada en un enorme lobo, y que lo primero que hace es chupar la sangre de la herida de su madre loba. Por otro lado tenemos a Lady Eboshi, la líder de la ciudad del hierro, que amenaza con destruir el bosque para poder extraer más mineral. Lady Eboshi no es tampoco una villana al uso, ya que sus razones no son del todo innobles, acoge leprosos y redime prostitutas, y sólo acepta el trabajo sucio que le propone el emisario del emperador para proteger su ciudad de la invasión y el saqueo. Y en medio de las dos, casi en una especie de triángulo amoroso no exento de cierto erotismo, el príncipe Asitaka, que intentará con todas sus fuerzas cumplir la misión que se le ha encomendado, que no es otra que mirar sin odio, comprender y hacer que las partes en conflicto se comprendan mutuamente, y de paso salvar la vida.

Esta es sólo una de las cosas que me sugiere una película como esta, tan llena de capas de sentido, abrumadoramente hermosa y compleja. Otras muchas hipótesis para analizar son factibles, espero que abramos alguna en los comentarios, para no extendernos demasiado ahora. De la técnica y la estética de Miyazaki ya hablamos en su momento con ocasión del comentario de El viaje de Chihiro. Permitidme sólo que mencione a Joe Hisaishi, autor de la música del film, que firma aquí una espléndida partitura que aúna lo épico con lo intimista, de la que os dejo con un fragmento. Y, por supuesto, permitidme recomendaros encarecidamente el visionado de esta película.

Amor acústico

2011-09-20T11:28:00.001+02:00

Propone: Virginia

Comenta: José Antonio

Cuando Virginia nos trajo al Cineclub "Once", yo todavía andaba conmocionado por haber vuelto a revisitar "Vértigo". La película de Hitchcock es uno de esos clásicos que a cada visionado gana más y en el que siempre se ven cosas nuevas. Así que como resultado de esa impresión no dejaba de ver cosas comunes entre ambas pelis, a pesar de que son obras que no tienen nada que ver la una con la otra. Por ello, he decidido poner en este comentario algunas de las pajas mentales que me hice cuando terminé de verla. Habrá quien esté de acuerdo con lo que diga, otros que no, pero por lo menos nos evitamos hacer el típico texto con todos los topicazos y lugares comunes. De todas maneras, como algunas cosas son inevitables, vamos a dar los datos de rigor. "Once" es una película irlandesa del año 2006. Se trata de un musical intimista y con una banda sonora intensa, que atrapa y que deja muy buen sabor de boca. No hay grandes estrellas, ni coreografías espectaculares. Sólo buena música, de la que sale de dentro del corazón.

Glen Hansrad es un músico callejero que también trabaja ayudando a su padre en una tienda de reparación de aspiradoras. En las calles de Dublin canta sus versiones de temas conocidos, pero por las noches y a solas le gusta tocar sus propias canciones en las que habla de la chica que perdió y que se ha ido a vivir a Londres. Pronto conoce a Marketa, una inmigrante checa, madre soltera, que vende flores en la calle, a la que también le gusta hacer sus pinitos en la música y que se convierte en su mayor fan. Entre ambos surge el proyecto común de unir sus talentos para grabar un disco y con el que él pueda reconquistarla gracias a la fuerza de sus canciones. En el proceso creativo, se despertará entre ellos la chispa del amor.

No voy a contar el argumento de "Vértigo" porque no es la peli que toca, pero sí diré que es la historia de un hombre que se enamora de una persona que no existe. Pero la pregunta es ¿ama realmente el personaje de James a Stewart a Kim Novak? ¿Cuánto de lo que él ama es real, o es una idealización de cómo espera que sea la otra persona? Interesantes cuestiones ¿no? Pues ya llegamos al punto en común con "Once". ¿Está realmente enamorados Glen y Marketa, o simplemente aman de la idea de querer a otro y sufrir por él? La tristeza y la infelicidad que les dan estos sentimientos son precisamente el motor que les hace funcionar creativamente. Mientras Glen y Marketa sigan siendo infelices, tendrán acceso a las musas que les inspiran para crear su arte. Cuando acaba la peli, todo parece que Glenn va a recuperar a su chica, pero ha acabado enamorándose de otra. La semilla de la infelicidad persiste y por tanto ambos pueden seguir creando música. ¿Será verdad eso de que cuanto más atormentado esté el artista, mejor será su obra?

La banda sonora de "Vértigo" también es muy buena pero salvo eso, no tiene nada en común con la de "Once". ¿Alguien se atreve a hacer las comparaciones? Por cierto la canciñon "Falling slowly" ganó el Oscar a la Mejor Canción. Y eso es todo. Comentad, malditos.

Este muerto está muy vivo

2011-09-13T19:11:00.010+02:00

Propone: Altea

Comenta: Pepe

El pasado mes de febrero, en plena polémica sobre la ley Sinde y la salida de Álex de la Iglesia de la Presidencia de la Acedemia, la cineasta catalana Isabel Coixet publicó un artículo en el diario El País que bajo el título si estás muerto, ¿por qué bailas? ofrecía una interesante reflexión sobre las nuevas formas de enfrentarnos, como espectadores, al cine; el ocaso de una forma de entender el cine como un acto litúrgico y fetichista; el advenimiento de nuevas maneras más apegadas a la cotidianidad, que desdibujan las fronteras entre el cineasta y el espectador, por el abaratamiento brutal de la tecnología para hacer y los medios para distribuir la obra, cualquier obra, audiovisual: una especie de cine 2.0.

Lo que venía a decir Coixet es que aunque la industria cinematográfica se esté yendo al garete, poco más o menos, nunca se ha visto ni se ha producido tanto material audiovisual como en nuestros días y que, aunque el momento es de incertidumbre, el cine, como la energía, ni se crea ni se destruye, solo se transforma. “Porque aunque el cine haya muerto, los cineastas vamos a seguir bailando. Es el único favor que podemos ofrecer a los espectadores. Ojalá aún estén dispuestos a bailar con nosotros”, concluía.

En la película de Stephen Gondry que hoy nos ocupa hay algo de todo eso, o así me pareció, al menos, cuando la vimos en el Cine Club Golfa propuesta por Altea. La cosa va de un videoclub en decadencia y de un incidente que hace que por error se borren todas sus cintas. Un grupo de auténticos y entrañables frikis, que bien podrían haber salido del seven eleven de Clerks, deciden que la única forma de salvar el negocio es ponerse ellos mismos a rellenar esas cintas rodando de nuevo las películas con una vieja cámara VHS. Y de ese planteamiento nace esta película llena de situaciones hilarantes, y con el puntito de emoción final que debe tener toda buena comedia. Los actores están muy bien (incluso a los detractores de Jack Black les resulta más soportable en esta película) y del talento de Gondry para perpetrar secuencias llenas de imaginación no necesitaréis que os diga nada si lleváis en esto del cineclub lo suficiente como para haber visto Olvídate de mi.

Be kind rewind es una festiva celebración del cine como entretenimiento que aúna la nostalgia por los viejos modos de los que hablábamos antes y el puro placer que supone coger una cámara, ponerse a contar una historia y acabar compartiéndola con el mundo. Es una película que nos habla de la pasión por el cine desde la comedia disparatada y que lo reivindica como divertimento, no solo para los que lo ven, sino también para los que lo hacen. Una invitación a salir a bailar, a volver a la vieja complicidad entre los espectadores y los cineastas, y a traspasar la línea que separa a los unos de los otros. La conclusión que me dejó Be kind rewind es que no importa como sean los soportes, los medios con los que se hacen o se consumen las películas: mientras haya alguien pensando historias en imágenes, o divirtiéndose o apasionándose en un lado o en el otro de la cámara, este muerto que dicen que es el cine estará muy vivo. Optimista que estoy hoy.

Como curiosidad añadiré que esta película ha generado todo un nuevo género: las películas suecadas. Estad atentos, porque algún que otro miembro de este nuestro cineclub está empeñado en organizar el primer festival internacional de las mismas. Seguiremos informando. Para los que no sepáis de qué estoy hablando, aquí os dejo un ejemplo sacado de la propia película:

Los vampiros regresan a México

2011-09-06T08:26:00.009+02:00

Propone: Iván
Comenta: José Antonio

En una reciente rueda de prensa, el director Guillermo del Toro rompía una lanza por el vampiro tradicional como un ser despiadado, frente al vampiro que está sentado en un rincón llorando porque lleva muchos años solo. Apostaba por el nomuerto implacable que siente empatía cero por sus víctimas y es un fiero depredador. En definitiva, reivindicaba la figura clásica del monstruo en esta era de Crepúspulos y productos similares, donde los vampiros han pasado a ser elfos guaperas atormentados. Quizá en los intentos de algunos cineastas por humanizar a estos extraños seres, han hecho que los monstruos pierdan su esencia. Son tan humanos, que se han olvidado de ser monstruos. Todo este rollo viene al hilo de presentar otra de las propuestas de Iván para esta temporada del Cineclub Golfa: Cronos de Guillermo del Toro.

El género de vampiros y de terror ha sido muy popular en México. En este país se han producido muchísimas películas de este tipo de cine fantástico. El hecho de que estos productos tuvieran una distribución garantizada para todas las pantallas del entorno hispano hizo que la Universal lanzara en los años 30 su propia versión latina de Drácula, rodada en castellano con actores hispanos. Para algunos esta versión hispana mejora incluso la versión norteamericana de Bela Lugosi. Personalmente, me parecen la misma película, pero con distintos actores. El éxito de este Drácula hizo proliferar el cine de vampiros en este país, que alcanzó una gran acogida en taquilla. El género llegó a vivir una época de oro entre los años 50 y 60, periodo en el que se llegaron a rodar algunas de las mejores cintas. Este cine no se limitaba a aplicar los clichés de la novela de Bram Stoker, sino que enriquecía el mito con aportaciones autóctonas, que van desde las pirámides aztecas y las haciendas coloniales, mezclado con elementos de lo más bizarro como científicos locos y marcianos. La fórmula daba lugar a títulos que iban desde la comedia al horror e incluso con una de las grandes aficiones del país: la lucha libre. Entre estos últimos hubo un personaje llamado Santo, leyenda de la lucha libre mexicana, que protagonizó su propia serie en la que se enfrentaba con vampiros, momias, marcianos y zombies, que llegó a protagonizar más de 50 películas. Vamos, ni James Bond. Películas de limitados presupuestos y con mucha imaginación, aunque algunas eran infames, que marcaron la infancia de futuros cineastas. Al igual que Ed Wood dejó su huella en Tim Burton, que le rindió homenaje con una de sus mejores películas. El género entró en decadencia en los 70 y en los años 90 dos directores lograron que recuperara el lustre perdido y recordaran al mundo que el cine de terror también existe en México, aunque en la actualidad ambos se hayan establecido en Estados Unidos. Hablamos de Guillermo del Toro y de Robert Rodriguez. De este último, su aportación fue "Abierto hasta el amanecer" y del primero, la peli que ahora nos ocupa "Cronos".

Cronos fue la primera obra para la gran pantalla de de Guillermo del Toro y está protagonizada por Federico Luppi. Del Toro llegó a hipotecar todo su patrimonio para tratar de sacarla adelante, una apuesta arriesgada que le salió bien porque le permitió que se le abrieran las puertas de Hollywood. El título se encuentra en el listado de las 100 mejores películas rodadas en México. Cuenta la historia de un anticuario que accidentalmente encuentra un extraño artefacto diseñado siglos atrás por un alquimista y que contiene el secreto para lograr la vida eterna. El objeto es codiciado también por un millonario norteamericano, enfermo terminal, que encarga al gorila de su sobrino la misión de recuperarlo a toda costa. El sobrino es otro conocido de Guillermo del Toro, ya que está encarnado por Ron Perlman, el protagonista de las dos partes de Hellboy. "Cuidado con lo que deseas, porque podrías conseguirlo", es una máxima que se aplica a esta historia. Lo que se suponía que sería una gran hallazgo, es en realidad una maldición. Para conseguir la vida eterna hay que alimentarse de sangre humana. La película narra cómo el entrañable abuelito se convierte en una bestia feroz que tiene que matar para saciar su sed. Supone un nuevo punto de vista sobre el vampirismo, una actualización del mito en la sociedad actual. Cronos es una ópera prima que adelanta cuáles van a ser las obsesiones y temas favoritos de este director. Del Toro volvió a tocar el tema de los vampiros en la segunda parte de Blade, el cazador de vampiros de la Marvel, y está inmerso en una trilogía de novelas sobre los chupadores de sangre y de la que se presentó hace un par de años la primera parte: "Nocturna".

El tiempo ha demostrado que Del Toro es un director con una imaginación desbordante a la hora de crear seres monstruosos y presentar mundos de fantasía. Una imaginación que se nutrió en su niñez de estas pelis, entre otras, que hoy nos pueden parecer cutres por sus evidentes limitaciones presupuestarias. Por ello, he querido romper una lanza por este género por descubrir en el que la falta de medios se suplía con imaginación. Y esperamos que Guillermo del Toro siga creando monstruos por muchos años. El cineasta logra una obra que va más allá de los localismos y que abre nuevas vías a los cineastas actuales para seguir profundizando dentro del mito.

Añadimos aquí el vídeo al que se hace referencia en los comentarios, que se nos escapó en la primera publicación. pedimos disculpas al autor por el error:

Un mundo feliz

2011-08-30T13:10:00.004+02:00

Propone: Iván
Comenta: José Antonio

La película comienza en una estación de metro, donde una pareja de novios está comiéndose a besos sin que sus caras reflejen emoción alguna. Junto a ellos, está un hombre inquieto a quien la escena hace que se desasosiegue aún más y acaba saltando a las vías. Éste es el impactante arranque de la última película que nos trajo Iván al Cineclub Golfa, "El incomprendido", una desconocida cinta noruega que acabó siendo una inesperada sorpresa para todos nosotros.

Nos cuenta la historia de una ciudad en la que no existe la pasión, ni los sentimientos. El protagonista llega un buen día en un autobús, sin que sepamos de dónde ni cómo ha acabado allí. La parada es en una casa en medio del campo, donde le han colocado el cartel de bienvenido y un coche le espera para llevarle a empezar su nueva vida en la ciudad. Tiene un buen trabajo y todas sus necesidades materiales están satisfechas. Sin embargo, pronto empieza a ver que algo no está bien. Las conversaciones con los demás le parecen superficiales y aburridas, el alcohol no le emborracha y el sexo con la mujer con la que se empareja nada más llegar es monótono y falto de pasión. La película es una metáfora sobre la deshumanización de la sociedad. ¿Felicidad? Oiga si eso me va a costar mucho no lo quiero. No hay más que ver cómo el protagonista corta con su novia porque ha encontrado a otra mujer: "¿Te irás antes del sábado? Es que doy una fiesta con invitados", le responde ella con la misma serenidad que si estuvieran planeando una visita a Ikea. En algún momento que nadie recuerda, el pan dejó de tener sabor y los melocotones ya no sabían como los melocotones.

Sin embargo, nadie de los que viven en esa extraña sociedad parece ser infeliz con esta situación. Todos parecen satisfechos y contentos; y no dudan en sofocar cualquier intento de traer a este mundo perfecto que ellos han creado algo de color o de alegría. En definitiva, evitar que el caos entre en esta sociedad de perfecto orden que han creado. Los sentimentales son proscritos y deben ocultar su interior o se exponen a ser señalados con el dedo. Y en esta situación, no cabe ni siquiera la posibilidad de suicidarse, ya que si te arrojas desde el balcón o a las vías del metro, aparece una cuadrilla que parecen los señores de la limpieza, que te recogen y te reconstruyen para que puedas continuar con tu vida. No hay posibilidad de escapar y la única alternativa es la de adaptarse y ser como ellos. De ritmo pausado, kafkiana, por momentos inquietante, con toques de surrealismo y una excelente banda sonora el director logra construir una historia que sorprende por su alegato por la pasión y el disfrute de esos momentos de la vida, dado que Noruega no es que sea precisamente la alegría de la huerta.

En el debate de la peli, hablamos que se trataba de una distopía (toma palabro), que es lo contrario de la utopía. Una sociedad que rinde culto al diseño, a los cuerpos danone, prima lo material sobre todo lo demás y los sentimientos son para los pringados. ¿Uy de qué me suena ésto? Sobre este director, Jens Lien, sólo he encontrado que tiene dos películas y todo apunta a que tendremos que estar atentos por si en un futuro se anima a darnos más. El día que el chorizo deje de saber a chorizo comenzaré a preocuparme.

Historias de los abuelos de los ricos

2011-08-26T14:05:00.000+02:00

Propone: Miguel
Comenta: Juli

Tras un apasionado paréntesis y una temporada densa de trabajo, hoy retomo mi tarea de bloguero comentando una película de 1.940 dirigida por George Cukor y basada en una obra teatral homónima de Philip Barry.

Como curiosidad, no sólo en España hacen traducciones estrafalarias de títulos, y este es un ejemplo. En Argentina la titularon "Pecadora equivocada". Quizá por eso el nombre de la protagonista (Tracy Lord) lo adoptó una actriz porno de los 80 que se caracterizó por rodar la práctica totalidad de sus películas X siendo menor de edad. Pero dejemos el morbo por unos momentos y centrémonos en esta película que no tiene nada de morbosa.

Y es que las comedias románticas no son de ahora, han existido siempre, pero, mientras hoy en día las interpretan gentes como las Jennifer (López o Aniston), antiguamente las protagonizaban actrices como las Hepburn (Audrey o Katherine). Por no hablar de los actores guaperas de hoy, de los que no me sale ningún nombre, y que podemos comparar con Clark Gable, James Stewart, Cary Grant, etc.

Historias de Filadelfia es, precisamente, una comedia romántica protagonizada por el triángulo compuesto por Katherine Hepburn, Cary Grant y James Stewart. Estamos ante una película excelente con todos los tópicos de la época, una gran dirección y un plantel de actores de lo mejorcito que ha dado Hollywood en toda su historia. No voy a contar el argumento porque ya hemos visto la película y quien no lo haya hecho, no sé a qué narices está esperando, pues es una de las imprescindibles del cine clásico. Es además, la película por la que James Stewart consiguió su Oscar al mejor actor antes de enrolarse en las Fuerzas Aéreas americanas para participar en la Segunda Guerra Mundial.

Hay gente que piensa que la película ha envejecido mal (aguafiestas hay en todos los lados), y quizá, vista hoy en día, pierde algo de frescura, pero aunque así sea, merece la pena meterse una hora y media en ese mundo de la "aristocracia"norteamericana de los años 30 y 40, y comprobar la evolución que ha sufrido el "mundillo bien": de los asépticos ecos de sociedad a las escatológicas revistas del corazón.

Nota del autor: En un principio había pensado titular el post como "Historias de nuestros abuelos", pero realmente mis abuelos no se parecían en nada a esta gente. En todo caso, serían los criados, por lo que al final he optado el otro título.

El tiempo no perdona

2011-08-16T19:36:00.004+02:00

Propone: Pedro

Comenta: Jose Antonio

Iba a ser deliberadamente cruel a la hora de hacer el comentario sobre "Terrorífica luna de miel" (traída por cortesía de Pedro a nuestro Cineclub) en el hecho de que se trató del quinto y último largometraje dirigido por su protagonista, Gene Wilder. Sin embargo, a la hora de documentarme me encontré con el hecho de que Wilder se retiró del cine tres años después a causa de la muerte por un cáncer de su mujer, Gilda Radner, que coprotagoniza también esta película. Desde el año 1989, Wilder ha salido de su retiro en un par de ocasiones y es un activista de las asociaciones que tratan de acabar con esta enfermedad. Vamos, que la cosa no es para hacer gracietas o para tratar de ser ingenioso.

Gene Wilder fue un descubrimiento de Mel Brooks y se convirtió en uno de los principales cómicos norteamericanos durante los 70 y los 80. Aunque Wilder ya había hecho sus pinitos detrás de las cámaras y tenía un Oscar como guionista, su gran éxito como director vendría con "La mujer de rojo" que dejó a Kelly Lebrock como uno de los iconos de la década de los 80, pese a haber protagonizado sólo dos películas. Así que "Terrorífica luna de miel" llegó en plena cúspide de la carrera de Wilder. Se la compara con las pelis de Mel Brooks por esa mezcla de comedia y cine de terror, pero a mi me recuerda más al cine de Abbot y Costello. De hecho, el personaje que interpreta Wilder se llama Larry Abbot. ¿Coincidencia?

La historia está ambientada en los años 30. Gene Wilder y Gilda Radner encarnan a una pareja que son las estrellas de los seriales radiofónicos del momento y que están a punto de contraer matrimonio. Con motivo del compromiso, Larry empieza a tener extraños comportamientos y pone en peligro la continuidad del programa. Su tío psiquiatra sostiene que se trata de un trauma de la infancia que sólo se curará dándole un susto de muerte, algo que pretende hacer cuando la pareja se case ese mismo fin de semana en la mansión familiar. Paralelamente se desarrolla otra historia sobre la maldición del hombre lobo y un plan para asesinarle a fin de quitarle la suculenta herencia familiar. El argumento está cogido con alfileres y todo es un pretexto para que tanto Gene Wilder, como Gilda Radner y Dom Deluis (que encarna a la tía millonaria) den rienda suelta sus tics más histriónicos con la intención de arrancar las carcajadas del respetable. Pese a algún gag aislado que se puede salvar, la película no tiene ni pies ni cabeza y en algunos momentos llega a provocar vergüenza ajena.

Las críticas que he leído por la red suelen ser benévolas con ella y los comentaristas la recuerdan con agrado. Creo que debe ser que pesa en ellos el factor de la nostalgia, pero el paso del tiempo todo lo devora y no respeta ni a los referentes que tenías en los adolescencia, que se vuelven caducos y marchitos. Ahora resulta que Gene Wilder y Richard Pryor no tenían una buena relación personal, sino que era más bien tensa debido a la adicción de las drogas del segundo. "Terrorífica luna de miel" ha envejecido muy mal y el paso del tiempo ha hecho mella en ella, como en todos nostros. Gilda Radner murió en el 89, Pryor falleció en el 2005 y Dom DeLuise en el 2009. Y el cómico está triste y ya no quiere hacer reir más. Vaya una manera de acabar una crítica sobre una comedia, ¿no?

Despertares

2011-08-09T20:00:00.003+02:00

Propone: Miguel

Comenta:Pepe

Después de la avalancha de comentarios de José Antonio, y visto que nuestro otro comentarista habitual está ocupado en menesteres más agradables que escribir comentarios de películas, me parece que ya es hora de volver a ponerme ante la hoja en blanco (bueno ante la pantalla, porque escribo en ordenador como buen hijo de mi tiempo) para escribir unas líneas sobre alguna de las películas que tenemos pendientes de comentar, que no son pocas.

Bueno, como podéis ver, setenta y tantas palabras después, aún no he dicho absolutamente nada. Pero como ya sabéis que yo no doy puntada sin hilo, me sirve el primer párrafo de este artículo como ejemplo de la sensación que Juncos Salvajes (André Techiné, 1994), me dejó cuando la vimos en el Cineclub, por gentileza de Miguel: Una película que cuenta una historia que ya hemos visto mil veces, con cierta elegancia, y enrollándose hasta la saciedad, alargándose y alargándose sin sentido pero con sensibilidad hasta que termina abandonándote en una especie de sopor que a la vez tiene algo de agradable, como una siesta a la sombra fresca de uno de esos árboles del magnífico paisaje en flor en que tanto se recrea la película.

Y es que estamos ante lo que podríamos llamar una película primaveral, porque nos cuenta el florecimiento, el despertar a la sexualidad y a la vida de tres bellos adolescentes, dos chicos y una chica, en la Francia rural de los primeros años sesenta, con el trasfondo de la guerra de Argelia. La historia se sustenta en esa especie de peculiar triángulo amoroso que se crea entre los tres. El director, sin embargo, no se centra en las cosas que se dicen o en contar la peripecia de los personajes, sino en intentar transmitir las sensaciones de los mismos: los juegos de miradas, un roce que hace erizar la piel, un golpe de frío al tirarte al agua, la brisa en la cara de un paseo en moto, ese momento de la vida en el que todo es nuevo otra vez, en el que todo es a la vez tan fácil y tan difícil, juventud divino tesoro, carpe diem y demás zarandajas.

Es decir, el mismo tópico que estamos acostumbrados a adjudicar a todo el cine francés de autor, desde que éste existe. Y es verdad, para resumir, que Juncos Salvajes es una película impecablemente francesa, absolutamente hermosa, un poco autocomplaciente, contemplativa en demasía y de lento desarrollo, que hace lo mismo que muchas otras antes y después que ella, cae en el tópico y a ratos aburre, pero todo eso lo hace muy bien, y eso es decir mucho en los tiempos que corren.

Sexo en Hong Kong

2011-08-06T12:36:00.013+02:00

Propone: Iván

Comenta: José Antonio

Mucho nos ha costado subir este comentario al blog, pero es que yo no estuve el día que pusieron esta peli en el Cineclub. He estado casi un año reclamándola sin éxito y al final la he conseguido por mi cuenta esta semana. Hablamos de "Adult Video" la propuesta Made in Hong Kong traída por Iván al Golfa. El argumento es típico de una comedia destinada a adolescentes: un grupo de estudiantes que trata de perder su virginidad. La novedad en este caso es que no se les ocurre otra cosa para lograr su objetivo que fingir que están haciendo una peli porno y contratar a la estrella japonesa de moda del momento para conseguirlo, supuestamente engañada pensando que se trata de un proyecto de verdad. En el trailer se resume bastante bien el asunto: Nunca el sexo fácil fue tan difícil.

El director y guionista es Pang-Ho Cheung, realizador de culto al que le gusta diversificarse en sus géneros. Por su cámara ha pasado la comedia adolescente, el drama, e incluso el gore. "Adult Video" tiene varias referencias cinéfilas que van más allá de "American Pie", "Porky's" y "Los albóndigas en remojo". Uno de los gags con más mala baba es el sitio que usa uno de los protagonistas para esconder sus cintas de porno casero: la caja de la película "Stalker" de Andrei Tarkovsky. Algo que sabe que nadie cogerá nunca. En otra escena, el grupo está hablando de en qué peli se pueden inspìrar para hacer su versión porno. En lugar de las típicas de "La guarra de las galaxias", "Penetrator" o "Eduardo Manospajeras" a uno de ellos se le ocurre "Flor de Otoño", drama intimista japonés de los años 50 de Yatsuhiro Ozu y en blanco y negro. Vamos, un prodigio de erotismo.

El grupo está compuesto de los topicazos en este tipo de pelis: el listo y líder del grupo, el guaperas, el tonto gordito y el bufón. A ellos se une el director de la peli, otro estudiante como ellos y que aspira a ser Tarkovski. Éste es el que les da la idea, ya que le expulsan de la escuela al descubrir que hace vídeos guarros. Los engaños para hacer creer que son productores auténticos de cine porno, las dificultades para conseguir el dinero para contratar a la actriz, los problemas para mantener una erección mientras te están mirando más de cincuenta pesonas para hacerlo ante la cámara, o las peripecias para rodar en secreto la peli en las instalaciones de la escuela sin que se den cuenta los profesores son las situaciones sobre las que se sostiene el argumento.

Manami Amayima se interpreta a sí misma como la actriz porno que va a hacer perder la virginidad a esos adolescentes desesperados por obtener sexo fácil. La falta de carisma de la actriz es uno de los grandes lastres de la película. La chiquita es muy mona, pero no parece dar mucho de sí para papeles dramáticos reales, por lo que no termina de cuajar eso de que ella sea la experiencia que marcará para siempre la vida de estos muchachos. Se supone que los jóvenes aprenderán a encontrar su madurez inspirados por su aventura, pero esto es algo que tampoco se termina de ver reflejado. Uno de ellos se acaba enamorando de la actriz y le llega a molestar que sus amigos la vean como un trozo de carne. Pero tampoco es que la relación tenga mucha credibilidad y no se termina de entender por qué ha pasado. Estos lastres hacen que la peli vaya hundiéndose a medida que avanza el metraje (vaya, otra metáfora con barcos). Sin embargo, otras pelis inferiores a ésta, las comedias adolescentes americanas, llegan a las pantallas con mucha más facilidad sin que nadie se rasgue las vestiduras por ser malas. Sería injusto colocarla la etiqueta de "para pajilleros", porque no se basa en un humor de "caca, culo, pedo, pis", aunque le falta un poco de mala baba. Por tanto, aunque no es una peli redonda, "Adult Video" se puede ver para ver cómo hacen comedia en otras filmografías más desconocidas.

Flotar en carisma

2011-07-18T14:51:00.004+02:00

Propone: Nando
Comenta: José Antonio

Tras un tiempo más que razonable sin actualizar el blog, vamos a echarle morro y empezaré fusilando un artículo de Carlos Boyero en el que hablaba sobre Gary Cooper. El crítico le colocaba entre una serie de actores míticos, entre los que se incluía a Cary Grant. Lo traigo por aquí, porque vamos a hablar de "Cintia", película que nos trajo Nando a nuestro cine club.

El artículo empezaba así:

"Se sabe del anhelo de muchos actores y actrices por cambiar continuamente de registros, por disfrazarse adoptando las pieles y el espíritu de personajes muy variados, por que nadie reconozca sus personalidad de una película a otra. Existen auténticos virtuosos en ese arte camaleónico. Como en el trágico poema de Borges podrían autodefinirse como: "Yo, que tantos hombres he sido". Existen otros, carne de Método y escuelas de interpretación, geniales, correctos, manieristas o insoportables, que siempre se las ingenian en cualquier tipo de papel para que reconozcamos su ancestral gestualidad, su intensidad emocional, sus magnéticos tics. Y están los genéticamente naturales, gente que no necesita hacer nada especial ni montar numeritos para que siempre te los creas, atractivos hasta de espaldas o en cuarto plano. Son los que más me gustan. Siempre son ellos, la cámara les adora, transmiten lo que les da la gana haciendo lo mínimo, su careto, su presencia, su ritmo y sus movimientos te fascinan. "

Podría seguir poniendo el artículo entero, pero ya no hace falta porque ya he recogida la idea que quería trasmitir. "Cintia" es el título que se puso en España a "House boat" (La casa del barco), comedia romántica del año 1958 protagonizada por Cary Grant y Sofia Loren. Los dos ya habían protagonizado un año antes "Orgullo y pasión", rodada en España. Por ello, "Cintia" es el desembarco oficial de la diva italiana en Hollywood. Les dirige Melville Shalveson, un director y guionista especializado en comedias familiares, poco conocido por el gran público. Antes de ponerse tras la cámara había sido guionista de Bob Hope y Danny Kaye. Es lo que se llama un artesano. El director repetiría un año después con Sophia Loren en "Capri", esta vez con Clark Gable.

No es una gran película, el argumento es un pelín absurdo, pero cumple su papel de película para ver en familia o, mejor dicho, para todos los públicos, porque hay familias y familias. Una realidad almibarada y colores pastel que deja un buen sabor de boca sin llegar a empalagar demasiado. Una comedia perfecta si te vas a casar en una semana.

Un momento.... ¡ES QUE NANDO SE VA A CASAR EN UNA SEMANA! Cintia es la hija de un millonario italiano, un tanto mimada y que se escapa de casa para vivir aventuras. Así acabará conociendo al personaje de Cary Grant, un maduro viudo que trata de sacar adelante a sus tres hijos. Ella comienza a trabajar para ellos como niñera y en realidad todo es un pretexto para que la familia acabe viviendo en un decrépito barco del Mississippi y generar situaciones cómicas por el nuevo escenario que les ha tocado como hogar, así como el hecho de que ella tenga que bajar de su pedestal de princesa para hacer frente a las tareas domésticas en su nueva vida como criada. Un argumento que sólo con unos actores de raza como los que tiene se puede mantener la historia en pie para ofrecer un producto correcto y sin pretensiones. Y a veces lo mejor que se puede decir de alguna peli es que no tiene pretensiones. El carisma de la pareja protagonista es la que evita que el barco se hunda y permanezca siempre a flote, una tarea seguro mucho más complicada en caso de haber contado con otro reparto. Cary Grant sigue en su papel de galán, mientras que aquí quien tiene que hacer méritos es la Loren, que busca un producto con el que meterse en el bolsillo al mercado americano. Canta, baila, está deslumbrante y enamora a todo el que se pone a su paso.

La vida desde el cristal

2011-05-13T19:06:00.005+02:00

Propone: David
Comenta: José Antonio

No sé si el hecho de empezar hablando del paralelismo entre las carreras cinematográficas de Jack Lemmon y Tom Hanks podría considerarse una opinión del personaje de nuestro blog vecino "El Enterao", pero lo cierto es que entre ambos hay muchas cosas comunes. Y una de ellas es que ambos comenzaron siendo actores de comedia hasta que pegaron el salto al drama y lo culminaron con éxito. Otra, el hecho de que representan la encarnación del americano medio. En el caso de Jack Lemmom el salto fue con la película que hoy nos toca y que también fue la propuesta de David para nuestro cinegolfa. Estoy hablando de "Días de vino y rosas". Antes de entrar en materia, sólo quisiera añadir que las primeras comedias de Jack Lemmon fueron bastante mejores que las de Tom Hanks.

"Días de vino y rosas" fue todo un cambio de registro para Jack Lemmon como actor, aunque también para su director Blake Edwards (otro más habituado a moverse en el campo de la comedia). Después de ver Mad Men, es tópico hablar de lo mucho que se fuma en esa serie. Pero yo añadiré también lo mucho que se bebe. A las horas más intempestivas del día siempre están con la copa en la mano, sin hielo y a palo seco. En semejante ambiente es en el que se mueve el protagonista de "Días de vino y rosas". Una agencia de publicidad en la que el trabajo de relaciones públicas y la vida social provoca que uno siempre acabe con una copa de más. Así es como el personaje de Jack Lemmon y el de su esposa, interpretado por Lee Remick, acaban sumergiéndose en el problema del alcoholismo. Todo empieza como una inofensiva comedia romántica en la que chico conoce a chica. Sutilmente, el alcohol está presente en casi todas las escenas. De pronto, un día se encuentran con que la botella ha acabado dominando todas y cada unas de las facetas de su vida. El matrimonio se va hundiendo en una carrera hacia la autodestrucción, en la que llegan a perder cualquier atisbo de dignidad y abandonan todas sus responsabilidades con tal de conseguir un trago. Una adicción en la que se puede entrar fácilmente, pero de la que es muy difícil salir. No hay finales felices, ni atisbo de esperanza. Más bien de supervivencia y de tratar de seguir adelante. Eran comienzos de los añós 60 y todavía el consumo de drogas no estaba tan extendido, pero la película muestra un proceso de degradación del individuo muy similar. Es una historia de una crudeza nunca vista en una película de Blake Edwadrds, cuyas comedias con el paso del tiempo tendieron a hacerse menos sofisticadas y derivar al gag de dibujo animado.

De "Días de vino y rosas" existía antes un telefilme que pocos años antes había rodado John Frankenheimer para la pequeña pantalla, otro destacado director del que seguro que antes o después cae alguna peli en nuestro cineclub. También hay una obra de teatro que recientemente han interpretado por la geografía nacional Carmelo Gómez y Silvia Abascal. Para los curiosos, adjunto un video sobre una escena de la obra de teatro.

"Días de vino y rosas" en una película para entender qué es el alcoholismo y en el que aparecen todos los pasos que va dando quien padece esta adicción. Lo que antes era considerado en la sociedad como un problema de moral y orden público, aquí se presenta crudamente como una enfermedad. Hasta ese momento, lo habitual en el cine era mostrar al borrachín, como un personaje secundario y divertido, que ponía la nota cómica en momentos en los que había que rebajar la tensión. Edwards cambia radicalmente el modo de enfocar al borracho en el cine. Billy Wilder, otro maestro del séptimo arte, ya había tratado el problema del alcoholismo previamente en Días sin huella, pero como aún no la he visto no puedo opinar sobre ella. Destacaré también la banda sonora de Henry Mancini, el compositor habitual de Edwards, como Steven Spielberg tiene a John Williams y Tim Burton a Danny Elfman. Y esto es todo chicos, nos seguimos leyendo en el debate. (O al menos eso espero).

Gran hombre bajito

2011-04-15T14:25:00.003+02:00

Propone: Jose Antonio
Comenta: Juli

El graduado, Cowboy de medianoche, Pequeño Gran Hombre, Perros de Paja, Papillon, Lenny, Todos los Hombres del Presidente y Marathon Man, fueron algunas de las películas que protagonizó antes de conseguir su primer Oscar con Kramer contra Kramer. Estamos hablando de Dustin Hoffman, uno de los grandes actores del Hollywood de los 70, cuya grandeza perdura hasta nuestros días.

La película que nos ocupa hoy y que vimos hace algunas semanas es Pequeño Gran Hombre, de 1970, dirigida por Arthur Penn y con Faye Dunaway acompañando en el reparto a nuestro amigo Dustin, que no tiene nada que ver con la marca blanca de ropa de El Corte Inglés, aunque se llame igual. Se trata de un western tragicómico con grandes dosis de sarcasmo sobre las vicisitudes de un hombre blanco capturado por los indios en su niñez y que vivió inmerso en las diferentes culturas que poblaron el oeste americano del siglo XIX, es decir, los indios y los vaqueros.

Pues sí, resulta curioso el recorrido por la historia clásica del oeste americano y por los tópicos de las películas del género: los ataques de los indios a las caravanas de colonos, llevándose los niños, la venta ambulante de productos milagrosos por charlatanes, el rapto de las mujeres por los indios, los pistoleros, los "saloons", el güisqui, la vida en campamentos indios, con atques de la caballería incluidos, y la escena cumbre del General Custer en la batalla de Little Big Horn.

Para animar los comentarios al post, invito al lector a descubrir las otras películas de Dustin Hoffman que hemos visto en nuestro cineclub (así, de manera rápida, recuerdo al menos otras 3).

Recuerdos desde mi celda

2011-03-07T15:14:00.004+01:00

Propone: Amalia
Comenta: Jose Antonio

Nueva adaptación literaria, aunque seguro que pocos sabíais que hay una novela. Hablamos de "Celda 211" el thriller carcelario "made in Spain" que Amalia nos trajo al Cineclub. La película de Daniel Monzón adapta una novela del periodista Francisco Pérez Gandul. Según he leído, hay grandes diferencias entre ambas. El final es distinto, el personaje de Malamadre (líder de la revuelta carcelaria) está mucho más humanizado en la película y la trama de los etarras es mucho más secundaria.

A la hora de escribir este comentario, me preguntaba qué podía decir de una peli que ha sido estrenada hace muy poco y que ha visto prácticamente todo el mundo.Como no he leído la novela, tampoco podía hacer un exhaustivo análisis de las diferencias entre libro y película. En cambio, gracias a mi trabajo, hace unos pocos años tuve la oportunidad de conocer como espectador a algunos de los protagonistas de una revuelta carcelaria muy similar a la que se nos cuenta en esta cinta. Estoy hablando del juicio del motín de Fontcalent ocurrido en octubre de 1990. El proceso se tuvo que celebrar por segunda vez quince años después, una vez que el Supremo anuló el primer juicio. Y en el segundo fue en el que estuve.

Los 80 y la primera parte de los 90 fueron los años de los motines en las prisiones españolas. Los presos intentaban con estas revueltas presionar a la Administración para exigir mejores en su situación. Otras veces eran pretextos para organizar una fuga. Aunque las cárceles siguen igual de saturadas que entonces, ahora son mucho más raros estos motines. De vez en cuando sigue habiendo alguno, pero son algo excepcional.

Durante el motín de Fontcalent, los presos mantuvieron secuestrados a cuatro funcionarios y a dos maestras para exigir mejoras. Para hacer ver que iban en serio cosieron a cuchilladas a otro recluso.

Los lideres de la revuelta era Antonio Cortés Escobedo y Manuel Pinteño, ambos cuñados y delincuentes multirreincidentes salidos del barrio de la Tafalera de Elda. Mientras que Antonio Cortés tenía en su haber varios asesinatos por atracos violentos, Pinteño estaba en prisión por robos y por sus numerosos intentos de fuga, que hicieron que su condena fuera creciendo como una gran bola de nieve. Los dos tuvieron un papel muy diferenciado en el motín. Cortés fue quien tuvo la idea de matar al preso para presionar en la negociación. Sin embargo, la intervención de Pinteño fue la de intentar que ninguno de los rehenes sufriera daños y prohibió al resto de amotinados que les torturaran. Fue el que se encargó de negociar con las autoridades y, según el propio juez que investió el motín, evitó que hubiera más muertes.

Otro destacado participante de la revuelta fue Juan José Garfia, un preso cuya vida ha sido llevada al cine en la película "Horas de luz" protagonizada por Alberto San Juan y Emma Suarez. Garfia fue otro recluso problemático encarcelado por tres asesinatos durante un atraco y que protagonizó espectaculares intentos de fuga. Cárcel a la que iba, era cárcel en la que organizaba un motín. Fontcalent fue una de ellas claro. Su vida dio un giro radical cuando acabó teniendo una relación con una de las enfermeras de Instituciones Penitenciarias (no sé en qué cárcel estaba cuando ocurrió) que le llevó al camino de la redención.

El motín de Fontcalent terminó cuando la Guardia Civil tomó la prisión y liberó a los rehenes. Algunos de sus participantes han muerto, otros están en libertad y otros siguen entre rejas.

Ha habido campañas para otorgar a Garfia el tercer grado, pero la condena por el motín de Fontcalent, que el Tribunal Supremo hizo firme en 2008, complicó un poco su situación.

Manuel Pinteño logró salir de la cárcel el año pasado. Un juzgado de Vigilancia Penitenciaria le consideró rehabilitado para volver a la sociedad. Pasó en prisión la friolera cifra de 32 años. Todo un récord, teniendo en cuenta que nunca cometió delitos de sangre. Alguno de los etarras más sanguinarios ha logrado salir libre en mucho menos tiempo. Pinteño considera su situación como una venganza de un sistema al que osó desafiar. Siempre ha contado que una vez antes del motín recibió una visita en la cárcel de dos miembros del Ministerio del Interior proponiéndole que matara a unos etarras y, a cambio, saldría libre. Como se negó, ése fue su castigo. Sin embargo, nadie en la Justicia ha dado credibilidad jamás a esta historia.

En cuanto a Cortés, murió el año pasado en una cárcel de Sevilla, con una salud muy deteriorada por culpa de su adicción a las drogas. A pesar de su decadencia física siempre estuvo en módulos de máxima seguridad y era considerado como muy peligroso. Con sus fuerzas al límite, a veces se dedicaba a esparcir sus excrementos por las paredes de la celda. Lo único que le quedaba para seguir siendo rebelde.

Y ésta es la historia muy resumida chicos. Seguro que algunas de estas cosas os han recordado a la película. Yo al menos reviví en el cine aquellos días del juicio. Una historia que sabe mantener la tensión, con unos personajes bien construídos, a la que quizá habría que reprochar algún giro argumental sacado de algún curso para guionista por correspondencia. De todas maneras, en conjunto es un buen drama carcelario que levantará los recelos de aquellos que van con la escopeta cargada hacia todo aquello que tiene éxito.

Sabor Pulp

2011-02-25T17:49:00.005+01:00

Propone: Juli
Comenta: José Antonio

Y seguimos con las adaptaciones. Si Pepe diseccionaba hace poco la adaptación de "El Perfume", a mi me toca "Sin City", la última propuesta de Julián para nuestro Cineclub. El origen literario de "Sin City" no es una novela, sino un cómic. Además tiene una de las particularidades de que uno de los codirectores de la película es precisamente el guionista y dibujante del cómic, Frank Miller. Eso es una garantía de que la historia que te están contando es fiel a la original. Ver "Sin City" es ver en la plantalla las pantallas del cómic en movimiento. Aunque leo por ahí que Miller en realidad no dirige la peli sino que se le acredita como director porque los planos y las secuencias son directamente calcadas a las viñetas que él diseñó.

Frank Miller está considerado como uno de los grandes del cómic norteamericano en los años 80 y 90. Su visión de "Daredevil" para la Marvel y "Batman" para DC hizo que se le encumbrara a la categoría de genio. En los 90, se distanció un tanto del mercado de los superhéroes y de las grandes editoriales, montándoselo con las independientes. Eran otro tipo de historias, como es "Sin City" o "300", también llevada al cine hace poco al cine. En la actualidad, Miller ya no está tan reconocido. A algunos se nos ha caído su mítica aureola, ya que empieza a repetirse un poquito y su firma ya no es garantía de leer un gran tebeo. Ha firmado auténticos bodrios que, supongo, que serán para pagar la hipoteca y eso. No sé si ha llegado a publicar un proyecto que anunció hace poco en el que pensaba enfrentar a Batman contra Bin Laden.

En cuanto a sus incursiones en el mundo del cine, hasta "Sin City" habían pasado sin pena ni gloria. Basta decir que uno de sus más resonados trabajos era ser el guionista de las dos secuelas de Robocop.

Con estos antecedentes, cuando uno va a ver "Sin City" por primera vez uno no sabe si esperarse lo peor o lo mejor. Afortunadamente, la película supera la prueba y logra redimir a Miller como un autor que todavía tiene cosas interesantes que aportar, si no le pillas con ansias pretenciosas. Conviene recordar que el director de la película es el mejicano Robert Rodriguez. Digo que conviene recordarle porque un año después Miller se atrevió a dirigir en solitario "The Spirit" y le salió un auténtico churro. Así que cabe especular que Miller ha podido llevar a la imagen real su obra apoyándose en los conocimientosy la experiencia del lenguaje cinematográfico que tiene Rodriguez. Quentin Tarantino también aporta su granito de arena dirigiendo una pequeña escena (si no me equivoco la introducción de la peli). Pero Rodriguez también es autor de la banda sonora, del montaje y hasta los efectos especiales.

La traducción de "Sin City" es Ciudad del Pecado y nos muestra una ciudad totalmente corrupta. Una historia bastante oscura, donde los polis, los senadores y hasta los obispos ejercen de auténticos gángsters y los protagonistas son antehéroes, perdedores que sólo cuando se ven obligados a defender lo debería ser lo correcto se encuentran en un verdadero lío. La película está realizada en blanco y negro, usando muchos claroscutos y los colores rojo y amarillo sirven para subrayar algunos momentos. Una estética entre el cine negro y las novelas pulp de los años 30. (Después de Pulp Fiction supongo que no hace falta que explique lo que siginifica Pulp, ¿no?)
El reparto está plagado de estrellas, como Bruce Willis, Mickey Rourke (que siempre está resurgiendo pero no termina de quedarse), Owen Wilson, Benicio del Toro, Jessica Alba, Brittany Murphy, Rosario Dawson y podría seguir un rato más, porque también hay mucho cameo de caras conocidas con pequeños papeles.

El pasado de Miller en el cómic de superhéroes deja su poso. ¿Puede ser la ciudad del pecado una versión más adulta del Gotham de Batman que Miller no pudo retratar? Lo cierto es que las historias que se cuentan en Sin City podrían transcurrir perfectamente en un Gotham sin superhéroes ¿Las ninjas asesinas no recuerdan a Elektra, el personaje que creó para la serie Daredevil? Los ninjas han sido un tema recurrente en la obra de Miller y en Sin City el ejército de prostitutas dispuestas a evitar que la Mafia se apodere de su zona usa bastantes técnicas y armas de estos guerreros orientales.

Sin City consta de un pequeño prólogo y tres historias aparentemente independientes, aunque hay muchas cosas que están entremezcladas. ¿Es casualidad que el senador y el obispo pederastas que salen en dos de las historias tengan los mismos apellidos? La segunda parte está anunciada, con más de las historias de Sin City. Seguro que en ellas se podrán seguir viendo más elementos que conectan estas historias entre sí. Pero lo confieso, sólo he leído uno de los volúmentes de Sin City.

Berlanga en sus inicios

2011-02-15T13:06:00.011+01:00

Propone: Pepe

Comenta: Juli

Murió Berlanga pero su cine sigue vivo.

Y sigue vivo en esta España de sainete y marujeo constante que nos encontramos hasta en la sopa. Sólo hay que echar un vistazo a los periódicos o ponerte delante de un televisor encendido para comprobar que en este país los estereotipos berlanguianos siguen vigentes y tan actuales como actuales fueron en sus películas, una de las cuáles ya pudimos apreciar plácidamente.

Calabuch es una película de su época, con la ternura y bondad que reflejaba el cine español en esos años, pero también con la ironía y crítica social ácidas que tanta maña se daba el valenciano para burlar la censura. Es un retrato satírico de la España profunda, en su variante "pueblo costero", con su pesca y su contrabando.

La historia trata de un reputado científico llamado Jorge Serra Hamilton que está hasta los mismísimos de emplear su vida encerrado en un laboratorio inventando armas y demás sustancias perjudiciales para la salud. Así, decide irse a tomar el aire y aparece en una playa de un pueblecito de pescadores llamado Calabuch. Hoy en día, resulta curioso ver la Peñíscola de blanco y negro de los años 50, con sus casas de piedra, madera y cal, enteras y a medias, y sin edificios de apartamentos.

Allí, el buen hombre se va integrando con las gentes del lugar, trabajando y ayudando en lo que puede y viviendo donde le dejan, que es un calabozo muy coqueto de la casa cuartel de la guardia civil, donde comparte celda con el típico pícaro llamado El Langosta.

Otra cosa a apreciar en el film es el reparto, entre los que destacaría, por un lado, a tres secundarios, el bajito siempre grande José Isbert, Jose Luis Ozores vestido de luces y el sorprendente Manuel Alexandre antes de cambiar la voz, y, por otro, al actor principal que protagonizó su última película, Edmund Gwenn, actor británico de dilatada trayectoria, de teatro y de cine, con más de 80 películas entre el mudo y el sonoro.

Recibió un oscar a mejor actor de reparto por Miracle on 34th Street (1947), y como curiosidad, protagonizó una película cuyo nombre te sonará mucho, querido lector de blogs: The Walking Dead (Los muertos andan) (1936), de Michael Curtiz, con Boris Karloff.

¡¡¡SINESTESIA!!!

2011-02-01T19:29:00.004+01:00

Propone: Laura
Comenta: Pepe

Así, puesto entre signos de admiración, el palabro del título suena a insulto rollo antiguo, como diría nuestro adorado bloguero Si Stebins, pero no, resulta que designa un fenómeno retórico, estilístico, y por qué no decirlo, también neurológico, consistente en que un estímulo que debería percibirse con un sentido produce una respuesta en otro. Así, estamos hablando de saborear sonidos u oír colores. El fenómeno está más extendido de lo que pueda parecer en nuestra expresión diaria, cuando decimos, por ejemplo, que alguien tiene una voz muy dulce o que lleva un vestido de colores chillones. Todo este rollo, os preguntaréis, ha de llevar por fuerza a algún sitio, y no os equivocáis: Nos lleva directos a intentar dilucidar si se puede o no oler una película.

Pues bien, podríamos decir que El perfume ( Tom Tykwer, 2006) constituye un buen intento. Esta “historia de un asesino”, como dice el subtítulo del film, narra la historia de Jean Baptiste Grenouille, un huérfano de la Francia prerrevolucionaria, con un don poco común. Un sentido del olfato prodigioso que le llevará a obsesionarse con la creación de un perfume perfecto, capaz de doblegar las voluntades humanas y que, pudiendo cimentar su gloria, le conducirá a la desgracia.

La película, una coproducción entre varios países europeos, fue un gran éxito de taquilla. No en vano cuenta con profusión de medios para lograrlo. Pongamos algunos ejemplos: Unos actores solventes, entre los que destacan grandes figuras como Dustin Hoffman o Alan Rickman; una cuidada y lujosa ambientación; un guión bien construido y a la vez fiel a la novela de Patrick Suskind; una realización correcta, aunque no exenta de alguno que otro de esos delirios modernetes habituales en Tykwer (director de Corre, Lola, corre). Una decidida apuesta, en suma, por realizar una película europea con calidad, con medios, y que llene las salas de cine. Lo mejor, y lo peor, que se puede decir de El perfume es que podría pasar por una película americana.

Cualquiera que haya leído el excelente material literario del que surge esta película, recordará el tremendo poder evocador de la novela de Patrick Suskind, que crea un universo de aromas y esencias a la vez que se mete de lleno en la mente de su protagonista, que llega a fascinarte y repugnarte a partes casi iguales. Las sensaciones son tan vívidas que son casi reales. Y quizás sea eso lo que no acaba de lograr la película. Corre por ahí una historia, quizás una leyenda urbana, que cuenta que Stanley Kubrik estuvo acariciando la idea de llevar al cine este libro, y que abandonó el proyecto porque no veía la manera de transmitir en pantalla las sensaciones, sobre todo olfativas, que produce la lectura del libro. Es decir, no se veía capaz de provocar en nosotros la sinestesia de oler una película. Tykwer, sabedor de que él tampoco era capaz de hacer una película con aroma, se conformó con construir una buena historia sobre aromas. Y no podemos decir que le saliera mal.

A Hitchcock le gustaban rubias

2011-01-07T13:23:00.004+01:00

Propone: Amalia

Comenta: Juli

Y a mi también, aunque también me gustan las morenas y las pelirrojas. Ya se sabe, no hay mujer fea sino copa de menos.

Y tras este alarde de machismo, que dirían algunas, vamos a hablar de "Encadenados", primera y penúltima de las películas que rodó don Alfredo con Ingrid Bergman. La otra película es "Recuerda". Después Hitchcock se dedicaría a filmar otras rubias como Grace Kelly, Kim Novack, Tipi Hedren y algunas más.

Encadenados es un película de amor y espionaje, o de amor entre espías, y transcurre tras la huida a sudamérica de una gran cantidad de dirigentes nazis que buscan, desde el exilio, reconstruir su terrorífico imperio. Magníficos en sus interpretaciones, además de la rubia, Cary Grant y Claude Reims, el tercero en discordia.

El amor, la guerra, la traición y el sacrificio llevado al extremo se juntan en una trama de suspense muy bien llevada. La historia es de una chica que vive en Estados Unidos con su padre, que resulta ser un colaborador nazi. Cuando el guaperas del Cary consigue hacerle ver la verdadera historia de su progenitor, para salvar el honor de su familia y el propio, ella decide colaborar con los yanquis. Para ello, tiene que renunciar a su amor con Cary Grant y se va a Brasil a engatusar a un ricachón nazi que vive de incógnito en Río de Janeiro. Este hombre, vez de hacer lo del Dioni e hincharse a copular con las hembras locales hasta fundirse todos los cuartos, se casa con la muchacha y cede su casa para los trapicheos de sus amigos arios, que conspiran para que llegue el IV Reich (la verdad es que nunca he sabido cuáles fueron el primero y el segundo reich).

Digamos, que eso es a grandes rasgos, la presentación de la película, luego viene el nudo, donde los personejes interactúan y van pasando cosas, y al final, el desenlace, donde se resuelven todos los problemas, ganan los buenos y chica y chico se besan en escena final.

Aplausos y se encienden las luces (Iván y alguna más se despiertan).

¡Ah! ¡Se me olvidaba! Seguro que al leer esto te quedas con la impresión de que falta algo. Efectivamente, falta el dato en común de todas las películas de Hitchcock. ¿Cuándo sale? Pues es un invitado a la fiesta que dan en la mansión de Río, y sale bebiendo champagne (o cava, no estoy seguro). Acompaño la foto por si no te lo crees.

Soy malo porque el mundo me ha hecho así

2010-11-13T18:22:00.002+01:00

Propone: Juli

Comenta: José Antonio

Cuando Tim Burton era pequeño quería ser como Vincent Price. Así al menos nos lo cuenta en uno de sus primeros cortos animados, "Vincent". Esta admiración se ha dejado ver luego en otros títulos de su filmografía y de hecho fue con Burton con quien Price hizo uno de sus últimos papeles. El actor era el científico que creó al inocente Eduardo Manostijeras, todo un homenaje al tipo de papeles por el que se ha distinguido. Vincent Price siempre ha estado vinculado al cine de terror de bajo presupuesto. En los 50 y 60 se prodigó en adaptaciones de relatos de Edgar Allan Poe dirigidos por Roger Corman. Siempre ha sido esa especie de cinetífico loco, incomprendido, que sueña con conquistar el mundo. En esta estela, nos llega "Los crímenes del museo de cera", propuesta por Julián para nuestro Cine Golfa, un clásico del cine de terror que tiene el honor de ser la primera en el ahora formato de moda de las 3-D. Toda una paradoja que la primera película en tres dimensiones haya sido dirigida por un director tuerto, pero así es el cine.

Ambientada en un Nueva York decimonónico, la película cuenta la historia de Henry Jarrod, un escultor de figuras de cera que vive por y para sus creaciones. Posiblemente este señor hubiera pasado toda su existencia encerrado en el museo creando muñequitos, pero la codicia del hombre provoca el nacimiento de un monstruo. El socio de Jarrod decide pegar fuego al museo y a todas sus figuras para sacar dinero del seguro. Pero para el pobre escultor el plan es un horror porque es quitarle la vida. Para él, no se trata de simples muñecos, sino que todas sus creaciones son como personas vivas, sus amigos. Jarrod queda horriblemente desfigurado en el incendio tratando sin éxito de salvar su obra. Además las lesiones en las manos le impiden volver a crear más figuras. Sin embargo, a ojos del mundo es una persona físicamente normal pero que ha quedado confinado en una silla de ruedas. Lo cierto es que sí puede andar y una máscara de cera es la que oculta sus cicatrices. Nace así un maníaco obsesionado con la venganza, que mata a aquellos que le robaron su vida y, ya de paso, decide rehacer su colección a base de cadáveres recubiertos de cera. "¡Oh! Parecen reales", piensan los ingenuos visitantes del museo. "Si supieráis", piensa Jarrod mientras elige a quien será su próxima víctima y ríe maliciosamente en su interior.

El maníaco de "Los crímenes del museo de cera" es una mezcla entre Jack el Destripador y el fantasma de la ópera. Un rostro horriblemente desfigurado que viste con una capa negra y un sombrero de ala ancha y que sale por la noche a recopilar víctimas en callejones oscuros. El director André De Toth y Vicent Price hacen una puesta al día (en los años 50, claro) de otra película anterior que había dirigido Michael Curtiz en los años 30 y que en aquellos años se había perdido. Ahora está otra versión también ha podido recuperarse. De Toth calca muchas escenas de la anterior versión, pero suprime algunas tramas que parecían molestar en el desarrollo de la trama.
"Los crímenes del museo de cera" era el intento de la Warner por hacerse un hueco en el mercado del cine de terror para tratar de competir con la Universal. Es un terror sin sangre ni visceras y hoy en día sería impensable que se rodara sin darle el toque de escenas gore. Su estilo será el que marque la estética de otra productora que destacó en las películas de terror, la británica Hammer. También destacar que es una de las primeras películas de Charles Bronson, actor del que me interesan un par de pelis de su filmografía, pero que sé que a Julián le gustará que destaque el dato.

La magnificencia de los años pasa como las flores

2010-10-19T14:12:00.005+02:00

Propone: Lorena

Comenta: Juli

Lorena nos trajo una historia romántica china del año 2.000 dirigida por Wong Kar-Wai. El título original traducido literalmente del mandarín sería "La magnificencia de los años pasa como las flores", y en inglés la llamaron In the Mood for Love. Para que luego digan de las traducciones españolas de los títulos...

Esta película forma parte de una trilogía de este director en la que también se engloban las obras "Días salvajes" (Days of Being Wild, 1991) y "2046" (2004). En las 3 narra los amoríos de un escritor (Chow Mo Wan) en Hong Kong. Bueno, y en sus viajes también.

La película que nos ocupa es un relato intimista de dos personas cuyas parejas respectivas se ausentan durante largos períodos. Ellos quieren mantenerse fieles, pero la soledad de esas ausencias conjuntas les lleva a la mutua compañía. El director consigue trasladarnos las sospechas de los protagonistas, sus miedos y sus anhelos, todo ello en la sociedad de las apariencias de los años 60.

Quizá en occidente no estemos preparados para el cine asiático, pero siempre enriquece encontrar obras así de interesantes. Creo recordar que cuando vi la película no terminó de gustarme, tal vez por lo lentas que suceden las cosas; podría decirse que no estás viendo una película, la estás contemplando. Hoy, varios meses después, y tras ver la de 2046, al reflexionar sobre esta película pienso que dejó un poso agradable entre mis recuerdos.

La parte que más me gustó fue la irrupción en escena de una voz impresionante, rasgada y con fuerte acento, cantando aquello de:

Y así pasan los diiías, y yooo desesperaaado, y tuuú, tuú contestaaando, quizás, quizás, quizás.

El experimento

2010-10-11T17:17:00.004+02:00

Propone: Virginia

Comenta: Juli

Todo empieza un fin de semana a finales de agosto. Unos amigos se reúnen para ir de excursión a una pequeña isla del litoral alicantino, llamada Tabarca. Una vez ahí, y con afán de divertirse, organizan una gymkana, y para ello se dividen en 3 grupos: el primero actuará como juez, organizador y observador, los miembros del segundo harán el rol de guardianes, y los del tercero, el de presos.

La película "El experimento" bien podría haber comenzado así. Se trata de unos psicólogos que quieren observar el comportamiento humano en condiciones extremas. Para ello escogen una serie de individuos, a los que ofrecen una suma importante de dinero para que durante 14 días convivan en una "especie" de cárcel, donde unos individuos adoptarán el rol de carceleros y los demás, de prisioneros. Como dirian en una sobremesa de Antena 3, está "basada en hechos reales", concretamente en un experimento llevado a cabo en la Universidad de Stanford en 1.971, que fue un absoluto fracaso al tomárselo todos demasiado en serio.

La película consigue mantener el suspense y trasladarte las sensaciones de sus protagonistas, que enseguida asimilan sus papeles y mientras unos se convierten en seres asustadizos, otros tienen que mantener su status de autoridad, y se convierten en celosos psicópatas. Quien no acepta su rol, ¡pobrecico! Le dan hasta en el cielo de la boca.

Enseguida el espectador se mete en la atmósfera opresiva en que se convierte la cárcel artificial donde unos individuos sin escrúpulos enseguida pasan a ser peligrosos verdugos, y otros individuos son oprimidos hasta la tortura física y mental, oprimidos y apaleados. Cada grupo tiene su consigna, los guardianes: mantener el orden, los prisioneros: obedecer las órdenes.

¡Qué dos párrafos más buenos me han quedado! Sí señor, eso se llama decir lo mismo con diferentes palabras.

Lector, si al ver esta película sientes ira cuando no se cumplen las órdenes y te gustaría que se impusiera el respeto y la obediencia, háztelo mirar, y tendrás que ir adonde seguramente terminaron yendo los psicólogos, o sea, al psiquiatra.

Película muy recomendable e impactante, sobre todo, si acabas de ver algún pastelón de la Sandra Bullock, o de alguna otra por el estilo.

El vídeo que os invito a ver en esta ocasión es una entrevista de don Punset al psicólogo de Stanford que organizó el macabro experimento: Philip Zimbardo.

Redes para la Ciencia » Redes 54: La pendiente resbaladiza de la maldad

Chabakanas

2010-10-04T12:29:00.006+02:00

Propone: Nando

Comenta: José Antonio

A lo largo de la ya abultada historia de nuestro Cineclub han pasado títulos que han dejado una huella imborrable a todos los socios, pero no precisamente por su calidad cinematográfica. Más bien por lo contrario. Unas son demasiado pretenciosas. Otras es que son simplemente malas. Nando nos trajo una de los productos más infames que se han proyectado en los últimos meses. Ha habido otras pelis malísimas, pero creo que es esteril abrir el debate de cuál es la peor.

Uno de los principios que inspiró nuestro cineclub fue el poder compartir con tus amigos tus películas favoritas, aunque la norma principal es que hay libertad absoluta para proyectar el título que sea. De esta manera se ha dado el caso de que quien ponía peli, no la había visto antes. Unas veces la jugada salió bien, otras el resultado fue catastrófico. Imagino que queda bien eso de decir que vas a poner una película chilena, pero sería de agradecer que a quien le toque traer peli la hubiera visto antes para que recapacitara antes si la experiencia valdrá la pena o no.

El caso que nos ocupa es "Lokas", película chilena que intenta hacer la versión latina de títulos como "La jaula de las locas". Dirige Gonzalo Justiniano, multipremiado cineasta chileno de quien no he visto más que esta obra. Me suena otra titulada "Caluga o menta", que tampoco he visto, pero que está considerada como uno de los títulos cumbres del séptimo arte en su país. Uno de los protagonistas es Coco Legrand, un veterano actor cómico chileno del mundo del teatro y de los monólogos que daba el salto a la gran pantalla con esta película. Aquí interpreta a un maduro homosexual que vive con su novio y que un día tiene que acoger en su casa a Charly, su hijo treinteañero a quien no ha visto desde que nació, y a su nieto de nueve años. Resulta que Charly ha sido detenido en Méjico por estafa y tiene que salir por piernas de ese país. Ahora intenta rehacer su vida en su Chile natal. Charly es un poco homófobo, por lo que el argumento de la película gira en torno a cómo se mueve éste dentro del mundo gay. La supuesta comicidad está también en que debe hacerse pasar por uno de ellos, para trabajar como camarero en una discoteca de ambiente. Tiene que fingir que es homosexual porque sino su jefe le despedirá. Tan absurda como esta situación, es el resto de las escenas de la película. Las interpretaciones son mediocres, los diálogos penosos y nada sutiles y la banda sonora llega a sacar de quicio. Vamos que parece que el guión lo ha escrito el niño de nueve años que sale en la peli, que es quien trata de reconciliar a todos los personajes.

Antes de ponerme a escribir sobre "Lokas", he consultado varias páginas de críticas cinematográficas para ver qué decían sobre ella. Para mi sorpresa está muy bien considerada por algunos y se la llega a etiquetar como una película que trata de la tolerancia a la homosexualidad. Incluso su director se ofendió mucho cuando le pusieron la etiqueta de "Para mayores de 14 años", porque él decía que era una obra para toda la familia. Yo personalmente no tengo ninguna duda de que ésa fuera la intención del director y de todo el equipo a la hora de ponerse a rodarla. El problema es que mientras la veía no me ha transmitido ninguna de esas ideas. Me pareció machista y que abusaba de muchos estereotipos y de los chistes de maricas. Parece un anacronismo sacado de los años 70. Porque es un tipo de humor de hace más de veinte años y esta película es de 2008. La única explicación que se me ocurre es que Chile todavía tiene muy reciente la dictadura de Pinochet, donde no creo que se tolerara la homosexualidad en absoluto, y todavía hay mentalidades más próximas a las que había en los 70, donde en España también salíamos de otra dictadura.

"Lokas" no logra arrancar ninguna carcajada, ni siquiera una sonrisa. A medida que avanza la proyección, la cara que se te queda es más de asco y astío. Sobre todo al ver el reloj y comprobar que sólo han pasado tres minutos desde la última vez que lo miraste. Al terminar, el comentario en la sala era unánime: "La madre que lo parió".

Una obra muy chabacana y vulgar, muy alejada de la sofisticada comedia que pretendía haber sido.

Señoras que

2010-09-30T12:23:00.007+02:00

Propone: Pedro
Comenta: Pepe

Hace unos meses se puso de moda en una conocida red social de Internet, es decir en Facebook, hacerse fan de páginas que empezaban como el título de este post, hasta el punto de convertirse en todo un fenómeno digno de análisis, o no. Entre la ironía y el homenaje, tuvieron su momento de gloria, salieron en los periódicos, alguien hizo una exposición fotográfica y seguro que se pensó en hacer una película sobre ellas. El problema es que la película ya existe, la dirigió Herbert Ross en 1989 y se llama Magnolias de Acero.

La película se centra en las vidas cotidianas de un grupo de amigas de edades variopintas en una pequeña ciudad del sur de Estados Unidos. La cotidianidad aquí está pasada por el filtro de Hollywood, estilizada, con un extra de bondad y belleza. No en vano la sociedad está reflejada a través de sus pequeños y grandes rituales, el paso del tiempo está marcado por las fiestas y la visión del escenario está profundamente idealizada (un Sur sin negros).

Pero a pesar de eso te la crees, entras al trapo que te tiende el director, te hinchas a reír y a llorar, te encariñas de estas señoras que discuten en la peluquería, se pelean en las bodas y se reconcilian en los funerales. La fuerza y el encanto de esta clásica tragicomedia tiene mucho que ver con el buen hacer de un reparto femenino memorable. Sally Field, Olympia Dukakis, Shirley McLaine, Daryl Hannah, Dolly Parton y Julia Roberts encabezan el cartel.

Entre todas dan entidad a esta película que a la postre se convierte en una exaltación de la amistad, un canto a la solidaridad entre las vecinas, un poco la antípoda de lo que actualmente es una serie como Mujeres desesperadas. A mi ahora, pensando en ellas, me queda la duda de si esas señoras serían igual de encantadoras si se les mudaran al lado los de Modern Family, pongamos por caso. Pero es ahora, porque cuando vi la película acabé con unas ganas enormes de llamar a mi abuela para decirle lo mucho que la quiero. Facilón que es uno.

Willkommen, Bienvenu, Wellcome

2010-09-27T23:46:00.003+02:00

Propone: Pepe

Comenta: Juli

El año que estrenaron Garganta Profunda y El último tango en París también estrenaron una sátira social sobre la Alemania de los años 30 en forma de musical, vista desde las bambalinas de un local de variedades, que se llevó 8 oscars. Se trataba de Cabaret, que un buen día nos la trajo Pepe, sin coincidir esta vez con ningún evento ni efeméride importante.

Personalmente, me resulta más sencillo y gratificante comentar una película que no me gusta que una que me gusta, porque es una especie de terapia que ayuda a superar el mal trago de verla. En cambio, el echar flores es bonito, pero no es gracioso. Es lo que tiene haber crecido con el humor de Pajares y Esteso.

Respecto a Cabaret, tengo que decir que me gustó.

¿Qué pasa en la peli, aparte de salir gente cantando y bailando? Pues que Liza Minelli hace de mujer sexualmente liberada que seduce al cándido jovencito Michael York, recién llegado a Berlín. Ella es cantante en el Kit Kat Club y él un estudiante de doctorado. Viven, ríen, sueñan, lloran, aman.

Se dejan llevar por la atmósfera decadente que forma su entorno.

Un embarazo y encuentros embarazosos.

El vídeo que os invito a ver en esta ocasión, no es una escena de la película, aunque puede resultar muy gatificante. Así que, lector de blogs, si quieres ver la película, hazte con el DVD y te lo pones. Luego, si quieres, puedes ver la película.

¡¡¡¡¡Ladys and Gentleman!!!!!

Encasillarse: dícese del papel de protagonista de Liza Minelli en Cabaret. Y si no os lo creéis, pinchad el vídeo e intentar recordarla en otra cosa.

El retorno del Trekkie

2010-09-23T19:04:00.004+02:00

Propone: José Antonio
Comenta: Juli

Resulta que en un futuro muy lejano existen los extraterrestres y se comunican con las personas e incluso son capaces de vivir con ellas y hasta soportarlas. Tienen inventos muy guays como las motos sin ruedas, las naves espaciales, los iPads, los inodoros que te limpian el pompis automáticamente y muchas más cosas. A mi el invento que más me gusta es el teletransporte: ahora estoy aquí, y ¡chiiiuchiiiu! ahora estoy allí.

Los extraterrestres, en general, son muy parecidos a las personas. Os voy a explicar los más representativos:

-los vulcanos, que tienen orejas puntiagudas, como si fueran elfos pero con flequillo

-los romulianos, que tienen tatuajes en el cráneo y son calvos, como Coto Matamoros

-los klingon, que tienen una especie de calcificaciones en la cara a modo de cuernecillos

-también sale una exhuberante pelirroja verde que está bastante buenorra

A estas alturas, el lector habrá adivinado que no soy fan del universo Star Trek, y que, desde el respeto a los trekkies, intento decir algo diferente a todas las líneas que se han escrito sobre ellos y que, a buen seguro, seguirán escribiéndose.

En los albores del Golfa, José Antonio ya nos trajo una selección de capítulos de la serie de TV de diferentes temporadas, y en su última elección, escogió la última película cinematográfica que se hizo de la saga (la número 11). El productor J.J. Abrhams ENCUENTRA una fórmula eficaz para conseguir un nuevo enfoque de una saga legendaria, aportando frescura y originalidad, y conseguiendo una especie de película de acción para adolescentes con protagonistas muy monos, que, pese a lo que pueda parecer, resulta muy entretenida y una gran obra.

Y es que partiendo de un futuro aún más lejano, una nave repleta de romulianos encuentra una especie de agujero negro que llaman discontinuidad temporal, por la que viajan al pasado, que es el presente de la película y que constituye la "precuela" de toda la historia trekkie conocida, es decir, un James T. Kirk que escapa de su adolescencia para ingresar en la academia militar, un Spock mitad humano mitad vulcaniano que marcha de su planeta a la misma academia, y el resto de tripulantes del Enterprise que comienzan sus aventuras. La irrupción de los viajeros del futuro da lugar a esta trepidante aventura de la que no voy a contar más, porque, lector, si eres Golf@, ya debes haberla visto, y si no lo eres, te dejo la sorpresa de descubrirla sin que sepas que el asesino esta vez no es el mayordomo, sino el jardinero.

Y Tarantino bloqueó el blog

2010-09-13T09:33:00.006+02:00

Propone: Laura

Comenta: José Antonio

Hace tiempo que me pedí entre mis compañeros de blog el hacer el comentario de Pulp Fiction, que nos trajo Laura al Cinegolfa. Y es que, lo reconoceré sin rodeos, es una de mis películas favoritas. Sin embargo, a la hora de empezar a escribirlo siempre me he terminado enganchando. ¿Qué se puede decir nuevo de esta obra sobre la que han corrido ríos de tinta? Yo, por mi parte, más bien poco que no suene a tópico o algo ya manoseado. La parálisis creativa, más otros temas personales y el trabajo, me hacían incapaz de redactar una sola línea, por eso quizá este blog ha estado un tanto parado. Así que si culpo de todo a Pulp Fiction, al menos seré capaz de decir algo original: Pulp Fiction nos bloqueó el blog de cine.

Quien se espere que esta parálisis ha acabado porque se me ocurrió una buena idea, se equivoca. Me temo que voy a tener que soltar los cuatro topicazos, de la manera más digna que pueda, porque la vida sigue y tenemos una gran lista de espera de comentarios aún.

Hay películas después de las cuales el cine ya no es igual una vez estrenadas, para bien o para mal. Así ocurrió con La Guerra de las Galaxias y también con Pulp Fiction. Pulp Fiction era el segundo trabajo de un joven director que poco antes ya había sorprendido con Reservoir Dogs. Su nuevo trabajo era también una historia de gángsters, contada de manera desordenada, con mucho humor negro, violencia y unos diálogos y una banda sonora que ya han alcanzado la categoría de míticos. Todo gira en torno a un extraño maletín, del que jamás se explica qué contiene pero se supone que es clave para amañar un combate de boxeo. El filme está estructurado en varias historias. Tratar de montarla para narrarla en un orden cronológico posiblemente la chafaría.

Los diálogos son los que van imprimiendo el ritmo de la película y algunas de sus frases ya han pasado al habla popular, como en su día lo hizo el "Que la fuerza te acompañe". Éstas son algunas de esas frases que nada más oírlas te trasladan al universo de Pulp Fiction. "Soy el señor Lobo, soluciono problemas", "Le Big Mac", "Me voy a casa a tener un ataque al corazón", "No nos chupemos las pollas todavía", "Hamburguesa, la piedra angular de todo nutritivo desayuno", "¿No odias esos silencios incómodos?", "Saca al tarado", "¿Has visto algún cartel en la puerta de mi casa que diga escoria negra?" y un larguísimo etcétera.

El otro día me enteré que el nombre del grupo "Yolanda B Cool" es una alusión directa a esta película. (Yolanda es el personaje interpretado por Amanda Plummer que intenta atracar la cafetería con Tim Roth). Así que es una realidad que en nuestro entorno cotidiano vemos más referencias a Pulp Fiction de las que sospechamos. Si se nos ocurre decir "Voy a ir a cagar", posiblemente la respuesta que recibiremos será muy distinta si estamos con alguien que ha visto la película, que la que tendríamos si el otro interlocutor no la ha visto.

¿Qué decir tiene de lo que ha hecho esta película por muchos de los actores que intervinieron en ella? La carrera de John Travolta estaba prácticamente finiquitada y sobrevivía haciendo las secuelas de "Mira quien habla". Bruce Willis demostró que cuando quiere puede ser un actor serio y por aquella época estaba empezando a encasillarse en pelis de acción. Samuel L. Jackson era el típico secundario de color correcto pero cuya cara se nos olvidaba cuando acababa la película. ¿Alguien se acuerda de que salía en Parque Jurásico, en Uno de los nuestros, Juego de Patriotas o en pelis de Eddie Murphy? En cuanto a Uma Thurman, parecía que por fin había encontrado ese gran papel que buscaba desde que saltara a la fama como la inocente muchachita de Las amistades peligrosas. Y también tenemos las apariciones estelares de Harvey Keitel, el propio Tarantino, Tim Roth, Eric Stolz, Cristopher Walken etcétera, etcétera, etcétera.

La banda sonora es otro de los grandes puntos de la película. Creo que no me equivoco cuando digo que ninguna de las canciones que en ella aparecen se hizo para la película. Todas proceden de la colección de discos de Tarantino, que las seleccionó para ella. Esta es una máxima en el cine de Tarantino, aunque en Kill Bill sí habían temas del rapero The RZA.

Son dos horas y media de película, recomendables de ver en un buen cine. Siempre se disfruta como si fuera la primera vez y te deja bien saciado de emociones fuertes, porque 150 minutos dan para mucho. Cuando piensas que ya ha terminado, viene otra escena delirante más.

Con secuencias para la historia. Samuel L. Jackson citando la Biblia, la escena de la sobredosis, la historia del reloj y del tarado, el baile de Uma Thurman y John Travolta, el atraco de la cafetería. Ya tiene más de 15 años desde su estreno y todavía sigue manteniendo su frescura. Lo único malo es que durante los 90 surgieron algunas pelis bajo el sello de Tarantino, algunas más bien mediocres, que trataban de aprovechar el tirón de Pulp Fiction para atraer a sus fieles a las salas de cine. Muchas de esas pelis con el sello Tarantino hoy ya están olvidadas. Hablo por ejemplo de "Tú asesina y nosotras limpiamos la sangre". De aquellos años salvaría de la quema a Robert Rodríguez, que tiene trabajos interesantes. Tarantino tardó mucho en volver a ponerse detrás de una cámara después de Pulp Fiction. De hecho, sus trabajos como director podrían contarse con los dedos de una mano si no hubiera hecho trampas haciendo dos pelis de Kill Bill.

Podría hablar mucho tiempo más de Pulp Fiction, pero creo que es mejor disfrutarla viéndola que no leyendo el rollo que pueda decir sobre ella. ¿A qué estáis esperando? ¿A que os lean el Apocalipsis mientras se comen vuestra gran hamburguesa cajuna y se beben vuestro Sprite?

La buena estrella

2010-09-04T14:21:00.002+02:00

Propone: Miguel

Comenta: Juli

Buena estrella podría decirse que tiene nuestro humilde cineclub, que próximamente cumplirá el quinquenio. Pero este espacio no es de autocomplacencia y lo que toca aquí es comentar la película de Ricardo Franco, que protagonizan Maribel Verdú, Jordi Mollá y el de Los Serrano. Me refiero, claro está, a Resines.

La película está bastante entretenida, y nos cuenta una historia de drogas, amor, sexo y ternura, todo ello agitado en la coctelera de un triángulo amoroso donde cada uno de los personajes va aportando todas las facetas de su personalidad, desde las más superfluas, hasta las más ocultas.

Antonio Resines es un hombre de mediana edad, humilde y solitario, atormentado por sus complejos que un día interviene en una situación de malos tratos entre la Verdú y el Mollá.

La ayuda, la recoge, la cuida, y se la lleva a casa, donde, poco a poco, empiezan una historia de amor, basada, al principio, en la compañía mutua, en el respeto y en la gratitud que sienten cada uno por el otro.

Tiempo después, reaparece Jordi Mollá, cuya interpretación magistral refleja los miedos y las pasiones de un chico marginal, incomprendido, que intenta superar sus complejos con la violencia y la brusquedad, pero que no puede esconder sus gran dosis de humanidad, que consigue que el triángulo se complete.

En resumen, gran elección de Miguel para una noche de Golfa.

200 pelis en Cine Club Golfa

2010-08-18T09:06:00.004+02:00

Justo antes del parón estival que ha supuesto la programación del seminario CINÉTICAS para Hostal de Sal, Esther, la última en incorporarse a nuestro club, tuvo el honor de estrenarse nada más y nada menos que con la película 200. Como conmemoració especial, publicamos aquí la presentación de su película que tan amablemente nos ha pasado por escrito.

In the Cut -Jane Campión, 2003-: El fin de los cuentos de hadas

Por Esther Marín Ramos

In the Cut -2003, mal traducida al castellano como En carne viva- es una coproducción entre Australia, Estados Unidos e Inglaterra, dirigida por, la neozelandesa Jane Campion. Está basada en la novela erótica, que llegó a convertirse en best seller de Susanne Moore con el mismo nombre, y producida por Laurie Parker y Nicole Kidman. No pasa desapercibido, para empezar, la altísima participación de mujeres en la elaboración del filme: texto original, guión cinematográfico, dirección, producción, y por supuesto, protagonismo dramático.

Meg Ryan hace el papel de Frannie, una Meg Ryan en su primer papel tras su escandalosa separación, haciendo una interpretación muy inusual en ella, curiosamente Nicolekidmanizada -actriz fetiche, y gran amiga de la directora, para quien seguramente iría dirigido este papel en principio-. Y es que Jane Campion repite en todas sus historias un perfil de mujer-protagonista muy similar, en el que se retrata a sí misma como es usual en otros directores-autores, el perfil de una mujer de inteligencia notable, muy consciente y sensible pero distante –y recordamos a la Kidman haciendo de musa de Guido en Nine (2009), rebelándose a la idealización en que la mantiene atrapada Fellini-. Una mujer contenida, como forma de prudencia o incluso de rebeldía, frente a un entorno que poco tiene que ver con su verdadera naturaleza. Esta es la gran tragedia que Campion dibuja en todas sus películas: mujeres silenciosas que intentan recobrar su voz sin ser castigadas por Barba Azul – cuento al que alude en este filme y también en El Piano-, aludiendo a su propio camino como autora en general, y más concretamente a su irrupción en el ámbito cinematográfico dominado por hombres especialmente cuando ella empieza.

Jane Campion, que ya con su primer cortometraje ganó la Palma de Oro en el festival de Cannes en el 86 -Peel, un jercicio de disciplina-, lo que repetiría con el largo El piano (1993) -siendo la primera mujer y la única, por ahora, en conseguir este galardón-, abrió en el cine un camino nuevo, una mirada femenina muy consciente de su posición en la realidad social a la que abría, que reivindica un espacio propio en la expresión de la dificultad que la voz sutil y delicada de lo creativo-femenino encuentra cuando intenta sobrevivir en un entorno que le es adverso. Todo ello, en tramas que beben de David Linch, su director de cine favorito, que mezclan lo delicado con el terror, como en los tradicionales cuentos de hadas, usuales refencias también en sus producciones, con un giro, por supuesto, totalmente distinto, premeditadamente postmoderno, pero no ahogado en el desencanto sin propuesta.

Otras películas de la directora son Sweetie (1989), An Angel at My Table (Un angel en mi mesa),1990; El piano (The Piano) 1993; Retrato de una dama (The Portrait of a Lady) 1996; Holy Smoke (Humo sagrado), 1999; y Bright Star, sin estrenar… en España.

En concreto, la genialidad de In the Cut radica en haber introducido la sensibilidad y el trato poético al que esta directora nos tiene acostumbrados dentro de un formato completamente opuesto, entre el thriller, el género policiaco -ambientada en el Bronx de Nueva York-, y el cine erótico, es decir, nada que ver con el perfil romántico, o de época de sus películas más conocidas como El piano o Retrato de una dama. Y sin embargo, la Campion, no deja de decir lo mismo que en sus películas anteriores, pero, en este caso, la directora y su elenco de colaboradoras parecen decididas a contarlo controlando el nivel metacomunicativo de la ficción, desde un lenguaje mucho más agresivo, lo que me parece un acierto que admiro. Es como si se hubieran dicho: Vamos a contar cómo sentimos nosotras pero de manera que ellos también puedan entendernos, en un formato atractivo para el género masculino -y perdón por la generalización, ya sé que los roles están cambiando (Pola Oloixarac, Las teorías Salvajes, 2010…), pero Campion es de otra generación…-.

La historia parte de un sentimiento de desconfianza hacia la vida en general y hacia el amor en concreto, y muestra el proceso o camino de salida al aprender a proteger lo delicado del horror, del lobo, de manera constructiva, no poniendo barreras a la experiencia, sino aprendiendo a usar las armas necesarias para cuidarse del peligro -el detective Malloy (Mark Ruffalo, Mi vida sin mí, y Olvídate de mí) enseña a disparar a Franie, lo que será decisivo en la resolución de la trama-.

Este sentimiento trágico, del que gusta beber a Campion, reluce en una bella escena entre las dos mujeres –la que muere y la que sobrevive-, en que la escéptica Frannie recita a su hermana, la espontánea e irracional Pauline -Jennifer Jason Leigh-, unos versos del poeta inglés del romanticismo, Samuel Taylor Coleridge:

"Triste, enamorado, enfermo en el alma, y desocupado corazón humano
cansado,
venera el espíritu de la vida inconsciente del árbol o la flor silvestre
… loca entrañable…"

- ¿Esa soy yo? ¿una loca entrañable?, concluye Pauline, mientras se oye de fondo la letra de una canción -traduc. del inglés-: "no quiero esperar en vano el amor real…"

Presentación para Cine Club Golfa del miembro 16, el día 16, del 6 del 10. Película 200… ;)

CINETICAS

2010-07-07T18:35:00.004+02:00

Todos los jueves de Julio, Agosto y Septiembre, a las 21:00 h en Hostal de Sal (Alicante), seminario CINÉTICAS, programado por Cine Club Golfa.

En la pasada ceremonia de entrega de los Premios de la Academia se alzó con el Oscar a la mejor dirección la realizadora californiana Kathrin Bigelow, por su película En tierra Hostil. Nos resultó entonces sorprendente que fuera la primera mujer en alzarse con el premio. Este hecho, que podría achacarse al tradicional (casi tópico) conservadurismo de la Academia de Hollywood, es sin embargo sintomático de la poca presencia de mujeres directoras en el palmarés de las grandes citas cinematográficas y en la historia del cine en general. Pero directoras las hay hoy, y las ha habido a lo largo del siglo y pico de cine que llevamos recorrido. Silenciadas, ninguneadas, triunfadoras (las menos) o asimiladas por la industria, casi nunca se ha hecho justicia a su talento cinematográfico.

Cuando nos propusieron programar un ciclo para La Salle, pensamos que sería una buena idea hacer un recorrido por algunas directoras, para dejar constancia de esas mujeres que se pusieron detrás de las cámaras y dejaron su impronta, de muy distintas maneras, en el séptimo arte. Leni Riefenstahl, Ida Lupino, Agnes Varda, Liliana Cavani, Pilar Miró o Jane Campion son algunos de sus nombres.

No hay en este ciclo ningún ánimo de ser sistemáticos. Fieles al espíritu fundacional de nuestro Cine Club, cada uno de nosotros ha elegido una cineasta independientemente de la elección de los demás. Semana a semana iremos presentando nuestras elecciones, y si hubiera que sacar conclusiones o encontrar relaciones, serán los demás quienes las establezcan. Es muy probable que falten nombres. Las cineastas que hemos elegido son sólo una muestra, unas pinceladas. Recurriendo al tópico, son todas las que están pero no están todas las que son.

El diccionario de la Real Academia define el término cinética (aunque la entrada es a “cinético”) como perteneciente o relativo al movimiento. Pertenecientes o relativas al movimiento son, sin duda, las cineastas que hemos elegido para este ciclo, como lo es todo el cine. Estas mujeres que poco más tienen en común que el hecho de serlo, además del afán por contar historias, y por ser ellas quienes las cuentan. Mujeres que, de alguna manera, se pusieron en movimiento y consiguieron hacerse un hueco en el gremio típicamente masculino, y más machista de lo que a priori podría parecer, de los directores de cine.

CALENDARIO:

1 DE JULIO: LENI RIEFENSTAHL
8 DE JULIO: IDA LUPINO
15 DE JULIO: AGNES VARDA
22 DE JULIO: LILIANA CAVANI
29 DE JULIO: LINA WERTMULLER
5 DE AGOSTO: PILAR MIRO
12 DE AGOSTO: JANE CAMPION
2 DE SEPTIEMBRE: JESSICA YU
9 DE SEPTIEMBRE: ANIMACIÓN EN FEMENINO
16 DE SEPTIEMBRE: KATHRIN BIGELOW
23 DE SEPTIEMBRE: PIPILOTTI RIST

El ataque de los melenudos

2010-06-15T12:15:00.006+02:00

Propone: Juli

Comenta: José Antonio

Perdón por el chiste fácil, pero uno de los calvos del Cineblub nos trajo hace poco una película de melenudos. Hablamos de Julián y su propuesta para el Golfa, que fue Hair, el musical dirigido por Milos Forman en el que se habla del movimiento hippie y la guerra del Vietnam. Hoy llevar el pelo largo supone ir disfrazado de habitante de la Tierra Media, pero hubo un tiempo no muy lejano (en loas 60) en que las melenas y las barbas eran un síntoma de rebeldía. Ahora algunos se rapan la cabeza.
Hair cuenta la historia de un muchacho procedente de una población agrícola de la América profunda que un día se alista para ir a la guerra del Vietnam. En los pocos días que tiene antes de su incorporación a filas decide hacer turismo por Nueva Cork. Allí conocerá a un grupo de hippies, con los que descubre los placeres de las drogas, y una niña pija, con la que descubre el amor. En definitiva, conoce nuevas facetas distintas de la vida, muy diferentes y amplias de aquellas para la que le han preparado. Una vida al margen de un sistema que lo único que espera de él es mandarle a morir a Vietnam como carne de cañón. Una guerra a la que iban los más desfavorecidos y la gente humilde, mientras las clases más altas se beneficiaban de los sacrificios de estos pobres muchachos.

Milos Forman siempre se ha caracterizado por mostrar en sus películas personajes que están al margen del sistema y que disfrutan escandalizando a la sociedad o el entorno en el que viven. Hair es la tercera película de Forman que hemos visto en el Golfa y en ellas se confirma esta regla. El Mozart de Amadeus, el Jack Nicholson de Alguien voló sobre el nido del cuco o los hippies de Hair. A esta lista añado “El escándalo de Larry Flint” o “Man in the moon”, cuyos protagonistas tienen también esa misma vena rebelde. No cito otras, porque no las he visto (aún).
Los hippies de Forman disfrutan provocando. Se cuelan en una fiesta de la jet set y la lían, se meten en el campamento para rescatar a su amigo y llevarle a una comida en el campo, creen en el amor libre, toman su dosis de LSD como si estuvieran comulgando en una iglesia. Sin embargo, todo su modo de vida alternativo se viene abajo cuando se dan de bruces con la realidad. El líder de la comuna tiene que acabar pidiendo el dinero a sus padres para sacar a todos sus amigos de la cárcel. El padre en un momento dado le suelta: “Trabaja, vago”. Otro de la pandilla cree en el amor libre y todas esas cosas, pero en un momento dado aparece su esposa real y le recuerda que tiene un hijo y tiene la obligación de mantenerle. Y finalmente el ingenuo jefe de la comuna cree que puede sustituir a su amigo en el ejército en el rato en el que éste se va de fiesta y que eso no va a tener consecuencias para él. El final es uno de los momentos más impactantes de toda la película.

En cuanto a la banda sonora tiene dos temazos que permanecen en la memoria: “Aquarius” y “Let the Sunshine in”. En lugar de poner una escena de la peli, incluyo este vídeo con esta nueva versión del “Let the sunshine in” que he encontrado en el Youtube. Espero que sus autores no les moleste que lo usemos.

El armario de Visconti

2010-06-01T11:01:00.006+02:00

Propone: David

Comenta: Pepe

Cuentan que durante el rodaje de El Gatopardo, Luchino Visconti exigió a su director artístico que los armarios y baúles del palacio del príncipe de Salina estuvieran llenos de ropa de época, aunque su interior nunca fuera a ser mostrado en pantalla. La idea era que el decorado fuera lo menos posible un decorado y que algo de toda esa verdadera ropa del interior de los armarios impregnara la pantalla con un halo de verosimilitud, algo que, aunque no se percibiera, estaba ahí. Un argumento parecido debieron esgrimir los primeros detractores del formato mp3, que comprime la música a base de quitarle frecuencias inaudibles por el oído humano, mientras juraban que era una notable pérdida de calidad con respecto a otros soportes. Ese algo que no percibimos, y que sin embargo de alguna extraña manera sabemos que está ahí, es tan difícil de definir como de conseguir premeditadamente.

Pues bien, ese algo está en Smoke, la película que trajo David al cineclub hace algún tiempo y que nos permite asomarnos a las vidas de un grupo de neoyorquinos cuyo punto de encuentro es un estanco de Brooklin en un tórrido verano de finales de los ochenta. Sus historias son cotidianas y tan reales que se diría que están dotadas de alma, que no vemos personajes sino personas, personas que podrían ser las que nos cruzamos cada día de camino al trabajo o en la cola de la panadería, personas que podríamos ser nosotros. Escrita por Paul Auster y dirigida por Wayne Wang, el mérito principal de Smoke está en que es una porción de realidad, un trozo de verdad puesto en imágenes. A ello contribuyen las líneas de Auster y los planos de Wang, por supuesto, ambos aquí auténticos maestros del arte de la contención, poniendo todo su talento al servicio de unos actores en estado de gracia, que alcanzan cotas de grandeza sin aparente esfuerzo. La lista de interpretaciones memorables es tan larga como el reparto: William Hurt es un escritor algo misántropo llamado Paul Benjamin; Forrest Whitaker regenta una gasolinera acuciado por las deudas y las culpas; Stockard Channing busca a su hija drogadicta; Harvey Queitel es estanquero, fotógrafo y excelente contador de historias; y hasta el entonces jovencísimo Harold Perrineau, antes de hacerse famoso corriendo por una isla desesperado por haber perdido a su hijo Walt, borda su papel de adolescente desubicado en busca de un padre.

Los responsables de la película se dieron cuenta de que tenían entre manos un material de primera y, como además se habían hecho amigos durante el rodaje, decidieron quedarse unas semanas más. Así, combinando material nuevo con descartes de Smoke, crearon una especie de secuela que llamaron Blue in the face, peliculilla simpática que está bien, pero a la que, qué queréis que os diga, le falta algo. Claro, es eso tan difícil de definir como de conseguir premeditadamente, algo parecido a lo que Walter Benjamin (mira qué casualidad) llamó aura, eso que Visconti intentó recrear metiendo ropa en un armario.

Os dejo con un vídeo de los títulos finales, con la bonita música de Tom Waitts.

Maestros Artesanos

2010-05-21T12:01:00.002+02:00

Propone: Juli

Comenta: Pepe

No eran artistas, o al menos no pretendían serlo. Pero tenían talento y oficio. Dominaban los resortes de su profesión, doblegaban las técnicas para conseguir llegar donde necesitaban y si no inventaban nuevas formas. Tenían el gusto por la obra bien hecha, por un acabado sin fisuras, y les gustaba gustar. Trabajaban en equipo, en taller, fueron reconocidos por su maestría y algunos ganaron mucho dinero.

Esta especie de definición se ajustaría a lo que solemos denominar “artesano”, un término que aquí me gustaría desprender de cualquier matiz peyorativo. Pensad que en sus respectivas épocas se podría haber incluido en esta definición, o en alguna de sus proposiciones, a figuras del calibre de Miguel Ángel, Rembrandt, Lope de Vega, Mozart. Y también a Hawks, Ford, Hitchcock, Spielberg,…

Todo esto me venía a la cabeza al pensar en La gran Evasión, porque en realidad la película trata de unos auténticos artesanos de las fugas, que intentan lograr la excelencia en su terreno, y además está hecha por auténticos y excelentes artesanos de la cosa esta del cine. Este film emblemático del cine de aventuras que nos trajo Julián, como no podía ser de otra manera, nos hizo pasar un muy buen rato. Y es que está hecha para eso. Y lo consigue, que no es poco.

No es necesario recordar que La gran evasión cuenta la fuga masiva de prisioneros aliados de un campo nazi durante la Segunda Guerra Mundial, abarcando desde la cuidadosa planificación y las tentativas frustradas a un seguimiento de los presos después del intento final. La película es larga, pero no aburre, porque tiene todos los ingredientes de una obra clásica bien hecha: un guión sólido, con progresión dramática, buen ritmo, personajes bien dibujados; una cuidada puesta en escena, a cargo del director Jonh Sturges; unas interpretaciones solventes de carácter coral; una música pegadiza fácil de silbar; algún momento memorable que ya es Historia del cine, como los botes de la pelotita de Steve McQueen en la celda de castigo…En resumen, una unión de talentos puestos al servicio de contar una historia, entretener al público y llenar los cines. Sin más pretensiones, pero con buenos resultados. Pura artesanía, pero de la buena.

Criaturicos del Señor

2010-05-17T15:45:00.002+02:00

Propone: Iván

Comenta: Juli

¿Quién se iba a imaginar, en aquella noche Golfa, que cuando llegó Iván con una película con un título tan estrafalario como "El hijo de Rambow", íbamos a pasar un rato tan divertido?

Pongámonos en situación. Una persona normal va al videoclub, a la fnac, no digamos ya al cine, y se encuentra con una película con este título. Al azar coge el Dvd y mira la carátula, que es el cartel que aparece en este post. ¿Tú que pensarías? Te voy a decir lo que pensaría yo: Esto debe ser una infantilada insulsa realmente insufrible y llena de niños repelentes. Y así fue como aquella noche Golfa, nos dispusimos a ver ese "a priori" Ivanazo.

Con esa disposición en que esperábamos una deposición, comenzó la película. Las sonrisas dieron paso a las risas, y estas a su vez a los aplausos en el momento en que se encendieron las luces y se iluminó la sala. La verdad es que fue todo un descubrimiento y una gozada de película. Sigue así, Iván, estás en el buen camino.

La película es una peli de niños, que no para niños, que van a la escuela y juegan a ser cineastas. Los protagonistas son dos chavales conflictivos, uno por su educación reprimida y el otro por la dejadez y abandono de sus padres, que se encuentran y logran complementarse, forjando así su amistad. En medio, los demás niños, revueltos por el intercambio con chicos de una escuela de Francia, donde el chaval marginado allí, se convierte en una especie de estrella e icono de la moda en su nuevo destino.

En resumen, ver esta película es una especie de retorno al pasado para la gente de mi generación, cuya niñez-adolescencia transcurrió en esa década de vestuarios horteras que fue los 80, que es la época en que transcurre la historia, con las continuas alusiones a Rambo y Stallone, y con una banda sonora que siempre es grato evocar.

A polemizar!

2010-05-05T15:57:00.002+02:00

Dada la escasa acogida de los dos últimos post publicados en este presunto cinefórum, batiendo los récords negativos de comentarios, he decidido dar un nuevo enfoque en esta nueva entrada que, amigo lector, estás leyendo.

Y, ¿qué película he escogido para ello?

Te toca, Virginia, hablaremos de Tideland.

Propone: Virginia

Comenta: Juli

La verdad es que esta obra de Terry Gillian, que vimos en un escenario distinto al habitual en los Golfa, es una obra bastante interesante. Te puede gustar o no gustar, pero no te dejará indeferente.

A Jeff Bridges le gusta hacer ese tipo de personajes marginales como "el Nota" de El Gran Leboswki, y es precisamente ese tipo de papeles los que suele bordar. En Tideland lo tenemos de yonqui fracasado y soñador padre de una niña, Jeliza-Rose, que representa una Alicia posmoderna en el país de las Maravillas en 2D, que en vez de sombrereros, conejos y demás fauna habladora, tiene cabezas de muñecas con las que vive en su mundo de fantasía. Un mundo que no es sino una evasión a su día a día con unos padres que jamás debieron obtener el carnet de paternidad, y que viven su realidad con las drogas con una naturalidad que llega al extremo de enseñarle a su propia hija a suministrarles la droga para sus "viajes". Porque su madre también es yonqui, la sorprendentemente nada sexy Jennifer Tilly, y eso que sale con un salto de cama que en cualquier otro momento resaltaría su voluptuosidad.

La película es la historia de la niña, que interpreta Jodelle Ferland. En su realidad vive con sus padres politoxicómanos, y ante la muerte de su madre, huye con el padre a la casa de su difunta abuela. Después una sobredosis de este hace que se quede huérfana del todo, aunque en su fantasía, ella cree que su papá sigue en su "viaje".

"Viaje": 7. m. jerg. Estado resultante de haberse administrado una droga alucinógena. (diccionario de la R.A.E.)

En la destartalada mansión familiar la niña juega con sus cabezas-muñeca y fantasea con sus vecinos, a los que les falta un herbor.

Ahora que lo pienso, en esta película hay más locos que en Alguien voló sobre el Nido del cuco, pero aquí no creo que nadie se cuestione la bondad o maldad de los personajes. Incluso, diría que el procentaje de locos es el más alto de todas las películas de Terry Gillian, pues aquí se llega al ciento por cien.

Moraleja: si eres un puto drogadicto, lo mejor es que te esterilicen antes de tener niños con una asquerosa yonqui, porque si no es así, vuestros descendientes estarán zumbados ya desde pequeñitos.

La guerra dentro de la guerra

2010-04-30T18:58:00.001+02:00

Propone: Virginia

Comenta: Juli

Hace tiempo que estaba por comentar esta interesante película que nos trajo Virginia. Ken Loach aborda en ella un tema polémico: la guerra dentro de la guerra, o lo que pasó en la España republicana entre el 18 de julio de 1.936 y el 1 de abril de 1.939. Y es que el conglomerado de aliados antifascistas, terminó con diferentes facciones enfrentadas:

-Revolucionarios anarquistas y comunistas incontrolados que desbordaban a las fuerzas del orden de la legítima República.

-Luchas intestinas entre los diversos partidos que componían la base del Gobierno Republicano, con episodios funestos como la aniquilación del POUM por parte de los estalinistas.

-Incluso, el golpe de estado interno del coronel Casado apoyado por Besteiro (entre otros cargos, presidente del PSOE entre 1925 y 1932), que propició la rendición de Madrid y el fin de la Guerra Civil.

Y es en medio de esta efervescencia donde y cuando se desarrolla la película: un inglés en paro, perteneciente al partido comunista en la convulsa 1936, persiguiendo sus ideales, se enrola para luchar en España contra los fascistas, que se habían sumado al golpe dado por los militares, y llega a Barcelona. En el tren conoce a una gente muy maja que resulta que son militantes del POUM (Partido Obrero de Unificación Marxista) y así, se une a ellos y se va al frente aragonés. Es ahí donde Ken Loach recrea la faceta humana en medio de las bombas y los tiros: los ideales, la amistad, la lealtad, pero también la frustración, la traición, la desazón y la pérdida de la fe. Esta historia tiene cierto paralelismo con la que vivió George Orwell en la guerra de España, narrada en su libro "Homenaje a Barcelona". Al igual que el protagonista, el escritor vino por su afiliación comunista, y acabó luchando en las milicias del POUM. Su antiestalinismo posterior a la Guerra se plasmó en obras como Rebelión en la Granja y, sobre todo, 1.984.

Y, cómo no, no hay película que se precie sin historia de amor: encantadora y preciosa Rosana Pastor, enamorando a nuestro protagonista británico.

También me pareció muy interesante la escena en que tras la liberación de un pueblo de manos enemigas, los habitantes constituyen una asamblea donde cada uno expone lo que le parece oportuno, hablan, conversan, discuten sobre temas que les atañen a todos, y finalmente, votan las decisiones a adoptar. Valiosa muestra de democracia popular, fuera de la rigidez de reglamentos parlamentarios.

¡Uy! "Ni política ni religión" fue una máxima de los albores del Golfa, así que dejamos el comentario en este punto.

Cogiendo Flores Silvestres

2010-04-28T15:15:00.003+02:00

Propone: David

Comenta: Juli

Ante al crisis de creatividad en el blog, simultáneamente al comentario de Esther sobre esta película, escribí otro yo mismo, que reproduzco a continuación (me gusta eso de la reproducción :-D ).

Pasar de hacer programas zafios a películas de culto es un mérito del exmarido de Sofía Coppola, Spike Jonze. ¿Quién iba a pensaar que uno de los creadores de un programa en que se dedicaban a pegarse pelotazos en los testículos, recibir golpes en cualquier parte del cuerpo con objetos contundentes y darse toda clase de trompazos imaginables, podría dirigir películas como "¿Como ser John Malkovich?", o "Adaptation: el ladrón de orquídeas"?

Por si alguien no cae en cuál es el programa chabacano al que me refiero, no es otro que "Jackass", que emitía la MTV antes de dedicarse a poner programas de citas a ciegas con la madre/padre del/la pretendiente/a.

Otro mérito de Spike Jonze en esta película ha sido conseguir que el primo de su mujer de entonces, gran actor en los 80-90 que pasó a hacer actuaciones penosas en bodrios como Family Man o La mandolina del capitán Corelli, se reencontrara con su trabajo e hiciese un gran papel, mejor dicho, dos grandes papeles, en esta película que le valió la nominación al Oscar. Como anécdota sobre el tema Oscar, en las nominaciones a mejor guión aparecen ambos, Charlie Kaufmann y Donald Kaufmann, cuando el segundo es un recurso del que se vale el primero para confeccionar el guión: no existe en realidad. También es fantástica la actuación de Meryl Streep, en la plenitud de su hermosa madurez, en el papel de Susan Orlean.

La película bien podría llamarse "Basado en", ya que está basada en un guión de Charlie Kaufmann, que se basa en un libro de Susan Orlean, que a su vez se basa en artículo de la misma escritora basado en la vida de un experto en flores llamado John Laroche, que existió realmente. ¡Si hasta el propio Laroche basa algunas de sus investigaciones en la obra de Darwin! Obra, por supuesto, basada en la evolución de la especies.

Pues es precisamente eso lo que cuenta la película: cómo unas cosas se basan en otras, y cómo Charlie Kaufmann, el guionista cuya voz en off le atribuye toda clase de inseguridades y complejos, vive el proceso creativo desde que le encargan el guión hasta que llega a terminarlo. Todo ello gracias a la colaboración de su hermano gemelo Donald, que pasa de ser un mostrenco totalmente básico y estrafalario, a ser la persona que quisiera ser el propio Charlie: seguro de sí mismo, triunfador, dentro de su propio estilo y con éxito con las chicas. La filosofía de la vida de Donald para conseguir ser así con las mismas condiciones de Charlie, se las explica justo cuando se está muriendo: no importa lo que piensen/sientan los demás, sólo lo que pienses/sientas tú, si quieres a alguien, ese amor es tuyo, y si ese alguien no te quiere, ese es su problema, tú ya tienes ese sentimiento y no importa que no lo tengan los demás.

Vaya, he contado el final y no he hablado todavía de las metáforas de las margaritas en medio del asfalto. Eso lo dejaré para que alguien se anime a ponerlo en los comentarios a esta reseña.

Adaptation o la pasión de morir a mí

2010-04-20T15:51:00.003+02:00

Propone: David

Comenta: Esther

Adaptation. El ladrón de Orquídeas. 2002. Spike Jonze y guión de Charlie Kauffman.

8 de Abril 2010

Adaptación (biología): característica que ha desarrollado un organismo mediante selección natural a lo largo de muchas generaciones, para solventar los problemas de supervivencia y reproducción a los que se enfrentaron sus antecesores.

Charlie Kauffman es un inadaptado. Está bloqueado en su isla de perfección. Y las orquídeas son lo más. Toman la forma del insecto que las poliniza. Darwin apoyó en ellas La Teoría de la Evolución Humana. Son el colmo de la adaptación. Por eso Charlie hace un guión de la escritora que escribe un libro del tipo sin dientes que está loco por las orquídeas. Por eso Charlie Kauffman, el guionista de pelis como Eternal sunshine of the spotless mind (Michel Gondry, 2004, Oscar al mejor guión original), Human Nature (2001, también con Gondry), o Being Jonh Malkocich (1999, de nuevo con Jonze) es decir, el autor de pelis excepcionalmente conocidas por su guión más que por su director, escribe la historia basada en hechos reales de Adaptation. Una historia metacomunicativa, que habla del mismo proceso creativo, en la que el autor se cuenta a sí mismo, denunciando cada una de sus capas, depurándose hasta la saciedad, algo que Kauffman no puede remediar hacer en todas sus películas. Su hermano Donald es un asqueroso integrado que aspira alcanzar el 1% de nivel artístico de Charlie, y sin embargo –y en ello reside la catarsis a la que nos somete la historia- será quien lo polinice al morir, como si fuera una abeja y en vez de polen hubiera inyectado veneno, veneno purificador. Él será el insecto polinizador, y Charlie será por fin la orquídea adaptada.

Uno es lo que ama, no lo que le aman- alecciona el alter-Donald a Charlie, y le hace ver que realmente es el perfeccionista Charlie Kauffman (un escorpio, un plutoniano, obsesivamente controlador de sus guiones y sus directores) quien está vendido a la opinión de los otros, quien está más pendiente de la valoración de los demás que de lo que él mismo desea y eso lo colapsa y le impide crear. Para amanecerse hay que adaptarse, es la refrescante lección que todo purista debe aprender, y eso requiere atreverse a andar sobre el filo del abismo, alejánse de lo que te hace sentir seguro - dice el mismo Kauffman en una entrevista- … algo que a lo que muy pocos están dispuestos…